アーティスト

サイレント映画見たのは20年ぶり…
劇中でオーバーアクションと言われているジョージの手ぶり身振り、表情すべてが新鮮でした。
サイレント映画において圧倒的なスターとして、作品の中でもその存在感を示し続けるジョージ、時代の流れについていけず自らの栄光に縋り、落ちて行く様は哀しみを感じざるを得なかったです。
その中で自らを『アーティスト』と称して孤軍奮闘する姿もとても印象的。
これ以上にない、好対照で現れたペピー。めちゃめちゃ可愛かったです！ジョージが落ちてゆくのと好対照に登って行く。旧態依然とした体制を新たな勢力が撃ち落として行くそのコントラストのついた流れが、栄枯盛衰の刹那感を思わざるを得ないし、その相手がこんなキュートな女性というのも皮肉なコントラスト感じます。
没落したジョージが、その誇りを失わない様に、何ヶ月も給料を払っていない運転手を解雇して車をあげてしまう。でも翌日の朝、気になって窓の外を見るシーンの哀愁、そのあとに自らの映像を見ながら奮起できないプライドの高さ。そして…。
スターの没落なんてたくさんあるんでしょうけど、具体的にこんな感じか…と息を飲む感じを覚えました。
そして、それを影ながらささえつつ、最後はすくってくれたペピー。素敵すぎます。
人生は辛いことがたくさんある。でも人生は悪くない。そんなことを思わせる映画でした。

【概要】下降する男優＆上昇する女優のラブストーリーをノスタルジックに描く
【特記】音楽＆愛犬が彩るオマージュ＆スタイリッシュ劇で映画の魅力を問う
【哲学】映画は時を超えて観たい景色

映画における音楽の重要性がよくわかる映画でした。そのほとんどが無声で構成されているから、演者の表情と音楽でストーリーを伝えなければならない。だからこそ、音楽に酔いしれるような体験ができました。少しの勢いの違いが耳から伝わるのは新感覚で面白かったです。カットは実際にフィルムをカットして行なったり、昔の映画制作の現場やその背景が伝わって興味深かったです。
ストーリーに関しては、THE昔の映画（２０１１年のものですが、擬古映画なので）という感じで派手なことはなく、トーキー映画を拒絶した映画スターの主人公を尻目にトーキー映画で活躍するヒロインが、その恩を忘れずに主人公を助けて、二人でスターに返り咲くというような感じでした。最後がお互いの折衷案でタップダンスの音だけが聞こえるというものであまりよくわからないエンディングでした。
社会的には、当時の人が声が聞こえない無声映画だからこそ、現実逃避の手段となるという当時の考え方に驚きました。また、結局映画は大衆的な娯楽の手段でしかないからこそ、大衆がもしその考えに同調しなければ、あまりにも無惨に捨てられるというところは、現代のどの分野においても通ずるものがあるなと思いました。
1920年代ごろの社会と映画の関係に興味がある人にはおすすめです！！

ミシェル・アザナヴィシウス監督による2011年の映画「アーティスト」は、映画史という広大な文脈において、単なる懐古趣味を超越した「純粋映画への回帰」を成し遂げた記念碑的な一作である。トーキーの到来によって終焉を迎えたサイレント映画黄金時代へのオマージュでありながら、本作そのものがサイレント形式を採用するという大胆な試みは、視覚言語が持つ根源的な叙事詩としての力を現代に再提示した。第84回アカデミー賞において作品賞、監督賞、主演男優賞を含む5部門を受賞した事実は、技術革新の波に洗われる現代映画界に対する、形式美の勝利と言っても過言ではない。
本作の完成度を決定づけているのは、単に過去の様式を模倣した点ではなく、サイレントからトーキーへと移り変わる時代の残酷なまでの対比を、メタ構造として作品自体に内包させている点にある。映画が音を得ることで失った「沈黙の雄弁さ」を、現代の観客に違和感なく受け入れさせるための計算し尽くされた演出は、映像表現の本質を突いている。スタンダードサイズに近い1.33:1の画面比率、全編モノクロームの映像、そして台詞を排した身振り手振りによる感情の伝達は、記号的な表現に陥ることなく、むしろ色彩や音響に頼らないことで観客の想像力を極限まで引き出すことに成功している。
監督・演出・編集の観点から見れば、アザナヴィシウスの辣腕が光る。彼は1920年代のハリウッドの雰囲気を精緻に再現しつつ、現代的なテンポ感を維持することで、古典映画に馴染みのない層をも惹きつけた。特に、劇中で主人公が見る悪夢のシーンなどで限定的に「音」を使用する演出は、沈黙が支配する世界における音の暴力性を際立たせ、観客を主人公ジョージ・ヴァレンタインの心理的な孤立へと深く誘う。編集においても、モンタージュ技法を駆使して時間の経過と二人のスターの対照的な運命を見事に並走させており、無駄のない構成が物語の普遍性を強固にしている。
キャスティングと演技において、本作は俳優の肉体表現が持つ可能性を再定義した。
ジョージ・ヴァレンタイン役のジャン・デュジャルダンは、サイレント時代のスターが備えていた特有の気品と、時代の波に呑まれていく者の悲哀を見事に体現している。彼は単に大げさな身振りを演じているのではなく、眉の動き一つ、口角の上げ方一つで、言葉以上に複雑な内面の葛藤を伝えている。没落していく男のプライドと、愛犬だけを唯一の友とする孤独な背中は、サイレント映画の文法を知り尽くした者のみが到達できる至芸であり、彼が非英語圏の俳優としてアカデミー主演男優賞を手にしたことは必然であった。
ペピー・ミラー役のベレニス・ベジョは、新時代の象徴としての躍動感に満ち溢れている。端役からスターへと駆け上がる若き女性のエネルギーを、彼女は弾けるような笑顔と軽やかなステップで表現した。特に、ジョージの控室で彼のコートと踊る独創的なシーケンスは、映画史に残る名シーンであり、無声映画におけるロマンティシズムを現代に蘇らせた。彼女の演技は、過去への憧憬だけでなく、新しい時代への希望を象徴する光として作品を照らしている。
アル・ジマー役のジョン・グッドマンは、スタジオの重鎮としての重厚感をもたらしている。葉巻を燻らし、冷徹な経営判断を下す彼の存在は、芸術と商業の衝突を象徴しており、物語にリアリズムの重みを加えた。限られた出番の中でも、映画産業の変革期における非情さと、一方でかつてのスターへの敬意を滲ませる絶妙なバランスを保っている。
クリフトン役のジェームズ・クロムウェルは、ジョージに忠誠を誓う運転手として、静かながらも深い感動を呼ぶ助演を見せた。主人が凋落してもなお傍に寄り添い続ける彼の献身的な眼差しは、言葉に頼らない映画において、信頼という抽象的な概念を可視化させる重要な役割を担っている。
そして、クレジットの最後に名を連ねるペピーのメイド役のミス・パイルもまた、短い登場時間ながら1930年代のハリウッドらしい彩りを添えている。
脚本・ストーリーは、極めて王道な「スター誕生」と「スターの没落」を軸に据えているが、その単純さこそが本作の強みである。複雑なプロットを排し、人間の尊厳、愛、そして再起というテーマに焦点を絞ることで、言語の壁を越えた共感を呼ぶ。映像・美術衣装については、細部に至るまで当時の美学が徹底されている。白と黒の階調だけで表現される質感、光と影のコントラストを用いたライティングは、カラー映像では決して到達できない情緒を醸成している。
本作において最も重要な要素の一つが音楽である。台詞がない分、ルドヴィック・ブールスによる劇伴は、物語の感情的な起伏を司る「もう一人の主役」として機能している。ブールスは1920年代のスコアを彷彿とさせる壮大なオーケストレーションを構築し、コメディから悲劇までをシームレスに繋ぎ合わせた。特筆すべき主題歌はないものの、クライマックスで流れる楽曲は観客の感情を最高潮へと導き、アカデミー作曲賞受賞という栄誉に相応しい完成度を誇っている。
「アーティスト」は、技術が飽和状態にある現代において、映画の原点が何であったかを問い直す作品である。映画というメディアが誕生した瞬間の驚き、銀幕が放つ魔法、そして人間が物語を語る際に必要な情熱。それらすべてが、白黒の沈黙の中に凝縮されている。本作は、過去へのラブレターであると同時に、未来の映画人に対する「視覚こそが映画の魂である」という力強いメッセージとなっている。映画史における本作の位置付けは、失われた形式を復活させた奇跡の結晶として、今後も長く語り継がれるべき傑作である。

作品［The Artist］
主演
評価対象: ジャン・デュジャルダン、ベレニス・ベジョ
適用評価点: A (9)
助演
評価対象: ジョン・グッドマン、ジェームズ・クロムウェル、ミス・パイル
適用評価点: A (9)
脚本・ストーリー
評価対象: ミシェル・アザナヴィシウス
適用評価点: A (9)
撮影・映像
評価対象: ギヨーム・シフマン
適用評価点: S (10)
美術・衣装
評価対象: ローレンス・ベネット、マーク・ブリッジス
適用評価点: S (10)
音楽
評価対象: ルドヴィック・ブールス
適用評価点: S (10)
編集（加点減点）
評価対象: アン＝ソフィー・ビオン、ミシェル・アザナヴィシウス
適用評価点: +2
監督（最終評価）
評価対象: ミシェル・アザナヴィシウス
総合スコア:［93.7］