ベルイマン、「オオカミの家」、村上春樹からの影響も　愛の複雑さ描くドミニカ共和国の美しいアニメ「オリビアと雲」監督インタビュー

2026年1月24日 09:00

カリブ海の島国ドミニカ共和国で製作され、世界各国の映画祭で数々の賞に輝いたアニメーション映画「オリビアと雲」が、1月24日公開を迎える。トーマス・ピカルド＝エスピラット監督のインタビューが公開された。

2組の男女をめぐって織り成される美しい夢と怖い夢が繰り返されるような物語を、色鮮やかなグラフィック、ナイーブ絵画のような素朴なタッチ、ストップモーションアニメ、加工した実写映像など多彩なアニメーションのスタイルで表現し、愛の複雑さをオリジナリティ豊かに描き出す。

――「オリビアと雲」のアイデアはいつ頃どのように生まれたのですか？

監督：この映画は完成までに10年かかりましたが、アイデア自体はいくつかの異なるソースや場所から生まれました。いくつかの短編映画のアイデアが混ざり合って、ひとつの作品になったのです。

それらのアイデアの中には、完成形のシナリオになっていたものもありますし、ざっくりした構想程度のものもありました。時間が経つうちに、それらが全て同じ物語を語っていることに気づいたので、アイデア同士の接点を探し、どうやったら結びつけられるかを考えました。そうしているうちに、これらの物語をひとつにつなげたら、一本の長編映画になるだろうと思ったのです。

そういうアイデアは、僕自身の世界に対する反応から来ています。僕はいつも現実世界を見ながら「この出来事が一風変わった形、シュールな形で起こったら面白いのに」と妄想することがあります。「オリビアと雲」はそういう瞬間でいっぱいです。要するに、現実からインスピレーションを得ているけれど、魔術的に想像しなおされているのです。

――主人公オリビアの造型はどのように生まれたのですか？

監督：「オリビアと雲」にはいろいろな要素が入っています。僕はとても直感的に脚本を書くタイプです。分析しすぎずに、ただ書いていく。登場人物のパーソナリティがふくらんでいくにつれて、物語自体も生命を持ちはじめます。

主人公オリビアの造型が生まれた最初のきっかけは、2006年、僕が学生だった頃に見た光景でした。ピアノのあるレストランに友人たちと行ったんです。中にはピアノが弾ける友人もいました。友人の一人は年上の恋人と付き合っていて、よく喧嘩していました。彼女は僕より数分先に店に着いたのですが、そこで恋人が別の女性と一緒にいるのを見てしまったんです。その後、彼女は走り出し、レストランに向かって歩いていた僕の横を駆け抜けていきました。振り返って彼女を見たとき、「オリビアと雲」の中でオリビアが山を背に走るシーンのイメージが見えました。彼女の姿からそのイメージを抽出したんです。そのイメージが頭にあったので、彼女をモデルとして、オリビアの外見的な要素を作り、そこに徐々に他のいろんな要素を混ぜていきました。

――アニメーション監督として、どんなキャリアを経て「オリビアと雲」につながっていったのですか？

監督：僕は15歳くらいからアニメーションを作ってきましたが、最初の数年に作ったのはほとんどが実験的な作品です。自由なスタイルで、ルールにとらわれないアニメーションを作っていました。中にはかなり抽象的な作品もありました。学校を出たあとは広告代理店で働きました。（広告の素材となる）モーショングラフィックスや広告自体をたくさん作ったのですが、だんだんそれにうんざりしてきて、アーティスト・イン・レジデンスや海外のアニメーションのプログラムに参加するようになりました。

しばらくして、フリーランスのアニメーション・ディレクターとしてTED-Edで働くことになりました。いろんなスタイルを試す機会を与えてもらい、そこでは、とても複雑なテーマをシンプルなアニメーションで説明することを求められました。哲学的な問題も、医学の専門用語も、歴史や神話の話もありましたよ。「オリビアと雲」は、そんな僕のキャリアのいろんなステージの総まとめ的な作品だと感じています。自由なスタイルと分かりやすい物語を、バランスよく組み合わせているのです。

――制作のプロセスを教えてください。

監督：作り方は物語の内容しだいで、全ての仕事に同じアプローチをとることはしません。手描きが合う物語もあれば、デジタルのアプローチが合っているものも、両方のミックスがいい場合もあります。そこが創作の出発点です。まず自分には語るべき素晴らしい物語があると信じること。ある種のアイデアは何年も頭の中を漂っていて、だんだんと変化しながら、「これはアニメーションにしたい」と思えるような形になっていきます。その後、シナリオを書く。全てを紙に落とし込むのです。その過程はとても直感的で、アイデア自体の導きに従って書いていくような感覚です。

その途中で、試験的なアニメーションを作ります。それはたいてい、最終的に採用するアニメーションのスタイルとは全く違うものになるのですが、それでもとても助けになるのです。遊びのようなもので、ルールはありません。その方が物語をよりよく理解できるからです。それが終わったら、もっと分析的、体系的な段階に入ります。その段階で、この物語にはどんなタイプのアニメーションが最適なのかを理解し、作品のヴィジョンがはっきり見えてくるのです。要するに、頭に浮かんだイメージを実際のアニメーションへと翻訳していく過程です。

――多様なスタイルのアニメーションで1本の映画を作ることを決めた理由は？

監督：自国の才能あるアニメーターと一緒に仕事がしたいと思っていました。物語自体がとてもドミニカ的なので、アニメーションにもドミニカ的な質感が欲しかったのです。その場合、統一されたスタイルで全編を描くことはできないということはすぐに分かりました。ドミニカのアニメーションはまだ揺籃期にあって、アニメーターたちのバックグラウンドもまちまちだし、みんなが同じツールを使えるわけではないからです。そういう意味で、統一されたスタイルのアニメーションにはできないと分かっていました。統一されたアニメーションを作りたいなら、海外の専門の人を雇って準備する必要があるからです。でも僕はこう考えました。この映画にはさまざまな視点やキャラクターが出てくるのだから、むしろ視覚的にもその多様性を活かせばいいじゃないか、全員がそれぞれのスタイルと仕事のやり方を持ち寄ったらいいじゃないか、と。

幸いにも脚本自体、さまざまな視点が出てくる構造になっていて、登場人物たちが同じ話を違ったふうに語る物語だったので、アニメーションも同じアプローチを取ればいいとひらめきました。多彩なスタイルをもったアニメーターを集めて、それぞれのスタイルで別々の視点のアニメーションを作ってもらう、ということです。

――さまざまなメディアやスタイルが、とても自然に溶け合っていますね。難しくはありませんでしたか？

監督：いえ、以前もそういう手法で作品を作ったことがあったので。僕はこれまでいろいろな場所で、異なる技法を使いながら、いろいろな短編映画を作ってきました。どうやって進めればいいか、ノウハウがあったのです。「オリビアと雲」では、各アニメーターにひとつのシークエンスを任せる方法を取りました。僕はアニメーターを俳優、演者のように扱いました。ある人には絵コンテや脚本だけを渡し、「これを「演じて」みて」と伝えました。またある人には表したい感情や表現だけを伝えました。それだけで僕の意図を表現してくれると分かっていたからです。

たとえばクラブで大勢が「バチャータ」を踊るシーンでは、6人のアニメーターに同時に作業してもらいました。大まかな構想から出発して自由に発想してもらえるように、彼らには互いの作業を見ないでほしいとお願いしました。そうやってできた素材を、僕は彫刻家のように組み立てたんです。

――音響デザインも素晴らしかったです。たとえば、オリビアがラモンのアパートメントに現れたとき歯をカチカチさせる音。

監督：あれはオリビア役のオルガ・バルデスという女優が演じた音です。彼女にはその他にも、録音ブースの中でいろんな音を出してもらいました。「ラモンが仕事している音はどんな感じ？」「バルバラのタイプライターの音は？」などなど。彼女が思いつくままに音を出してくれたんです。

この映画にとって、音楽と声の演技はとても重要でした。サントドミンゴの混沌とした、騒がしい空気を表現したかったんです。作曲家のジェム・ムスルルオールはトルコ人で、以前から一緒に仕事をしています。彼にはリサーチのため、ドミニカ共和国に2週間滞在してもらいました。田舎を訪れて川の音を聞いたり、市場を歩いたりして、土地の音を吸収してもらいました。

――ドミニカ共和国の風景を手持ちカメラで撮影し、人々の顔や体の輪郭などに色を加える描写が大好きでした。どのような意図があったのでしょう？

監督：以前にも同じ手法を使ったことがありました。僕はアニメーターになる前、実写映画を撮りたいと思った時期があったんです。実写とアニメーションをミックスしたプロジェクトも手がけていました。だから今回も、融合した表現をやりたかったんです。

また、子どもの頃によく訪れた田舎の風景も入れたいと思っていました。映画に登場する市場は僕の家のすぐ近くで、とても混沌としています。そこを映画に入れたかったんです。それらの場面ではロトスコープを使ってアニメーションを重ねようと決めていました。しかも撮影したのは2021年末で、まだみんながマスクをしている時期だったので、この方法は余計にうってつけでした。マスク姿にアニメーションを被せることで、コロナ禍に撮られたのか分からないような、タイムレスな映像にできたのです。

――さまざまなムードや感情を描くために、どのように異なるアニメーション技法を組み合わせたのですか？

監督：だいたいは直感的で、その瞬間が何を必要としているかを感じ取りながら作業しました。たとえばオリビアが田舎にいる場面ではカメラがよく動き、スタイルも頻繁に変化します。それ自体が彼女のパーソナリティの表現になっているので、このやり方は気に入っています。彼女の空想のままに、世界が変容していくのです。年齢を重ね、母になったオリビアの場面では、映像をもっと断片的にして、彼女の老いと振る舞い方の変化を表現しました。

――さまざまな視点が交錯するのも魅力的です。いわゆる「羅生門効果」を取り入れていますね。どこからそのアイデアが生まれたのですか？

監督：2つの要因から来ています。ひとつは、もともとこの映画は異なる短編から生まれたから。後になって、それらの短編が実は同じ物語を違う角度から描いていると気づいたからです。もうひとつは、親や友人など、接する相手によって人の振る舞い方は変わるから。同じ人間でも、相手によって、引き出されるパーソナリティは変わります。それに僕は、人間が記憶をどう解釈するか、それが人によっていかに異なるかにも興味がありました。同じ瞬間を体験しても、まったく違って捉えられることがありますよね。そういう意味で、映画「羅生門」（1950）の考え方はとても面白いですし、刺激を受けました。

――ラモンがオリビアを「植物」として記憶しているのも素敵でした。最初は小さかった彼女が、やがて彼の部屋で育っていく。ここにはどういう意図が込められているのですか？

監督：そのアイデアはいくつもの要素からできています。脚本を書く前、僕はニューヨークに住んでいて、他の人と物語を作っていました。その中で、過去の亡霊や、人間を植物として描くモチーフが何度も現れていました。それに、脚本を書いていたころに付き合っていた恋人の家族が花屋だったんですよ！ちなみに、映画に出てくる２頭のキリンの絵をくれたのは、その恋人でした。

――「オリビアと雲」にインスピレーションを与えた作品はありますか？

監督：イングマール・ベルイマンの「野いちご」（1957）と「ある結婚の風景」（1974）です。特に「ある結婚の風景」の終盤で、登場人物がこんなことを言う場面があります。「学校では数学や歴史など色々教わるのに、人を愛する方法、人とつながる方法は教えてくれない。だから僕たちは「感情の文盲」として社会に出ていくんだ」。この言葉がずっと心に残っているんです。どうやったら僕たちは、お互いにつながることができるのでしょう？

チリの監督たちによるアニメーション映画「オオカミの家」にも影響を受けました。手描きや手作りの技法を多用していて、とても美しい作品です。他の分野では、小説からもインスピレーションを受けています。特に村上春樹の作品。彼の作品にあるマジック・リアリズムが大好きで、読むたびに頭が爆発しそうになります。

――「オリビアと雲」の物語と美学のどんな部分で、ドミニカ共和国の文化が重要な役割を果たしていますか？

監督：僕の作品は、自分が生きている環境の影響を強く受けています。外国で暮らした時代もありましたが、住んでいる土地の影響の大きさにそのとき気づきました。物語のタイプも、アニメーションのスタイルも、拠点にする国によって変わるものだと思います。
ドミニカ共和国は、いつまでも僕の物語のDNAでありつづけると思います。

サントドミンゴのカオス、絶え間ない騒音、強烈なヴィジュアルのコントラスト、僕たちの話し方、それら全てが僕の作品に一貫して流れる要素です。これらは僕にとってはとても自然なものですが、今回はドミニカの文化をできる限り可視化しようと意識的に決めていました。僕自身にとってしっくりくる物語、身の回りの世界に近しい映像、自分や友人たちが話しているように聞こえる会話を描きたかったのです。

1月24日から、シアター・イメージフォーラム他、全国順次公開。