フェイブルマンズのレビュー・感想・評価

現在76歳になったスピルバーグの人生も、いかに完璧な軌跡を描いていたかを知る貴重な名作だと思います。初めて大スクリーンで観た列車などの衝突シーンから彼の映画人生はスタートします。おそらくこの映画を観た時のショックは、彼の精神の小宇宙の激震だったのでしょうか。それが、彼の使命を覚醒させ、映画人生の爆進が始まったと思うと感無量です。育った環境は、比較的裕福で、芸術家肌でピアニストの母、ITの秀才である父、賑やかな3人の姉妹に囲まれ、ほとんど好きなことを阻害されることもなく順調に天才性を育みました。もちろん人生には幸福に見えるものばかりが存在することはありません。半分恵まれていれば、残りの半分は不幸に見えることが訪れます。そのリアルさを存分に作品の中で描き切っていて見事だと思います。ユダヤ人であるがための差別、宗教の問題にも触れています。途中まで家族はまるで絵に描いたような仲の良さで協調的なやり取りがありますが、後半は母親の不倫？によって家族は崩壊します。それでも、その経験は今のスピルバーグにとっては、映画を創作する幸せの因になっていると確信しているのでしょう。人生は、さまざまなことが起こりますが、全てが最終的には、幸せと愛に満ちていると言えるのかもしれません。セリフの中で「出来事は全て意味がある」という言霊がありましたが、その意味は全て愛なのでしょう。いずれにしても、こんな名作に触れられた至福の時に感謝します。 追記　少年から青年になる時代に、観る人を楽しませる映画ストーリーの仕掛け作りに精を出していたものが、後年、世界的ヒットを成し遂げた「ジョーズ」（サメ）に見事に生きているかと思うと、天才の人生シナリオはやはり完璧なのでしょう！

主人公サミー(スピルバーグ)は 幼少期から 何かに突き動かされるように 映画を作り続ける。 その姿はまるで 生まれた時から 映画(芸術)に関わる人生を 運命付けらているようだった。 人々に何かを伝えたい時 普通に伝えても 人々には伝わらない。 映画となると尚更だ。 普通では人々は感動しない。 常識に捕らわれない発想の映画で 人々を感動させてきた 巨匠スピルバーグ それは普通では出来ないのだ。 「天才とは普通ではない人々」 天才は普通には生きられない。 才能を持った人々は 孤独になっていく。 誰にも理解されない人々 だからこそ「天才」なのだ。 自分の中から溢れ出す 夢を叶えたい強烈な思い 夢を叶えるには 自由な精神で生きるには 周囲(時には家族)からの 誤解と孤独を越えて 行かなければならない。 思春期にかけて 青春の喜びも悲しみも 全ての体験を力に変えて 揺れ動きながらも 確実に成長していく 主人公サミー 成長とともに 避ける事の出来ない 親子の衝突 子供を思っているからこそ 幸せを願うからこそ 起きる親子の衝突 子供には普通で幸せな人生を 望む親の姿は 古今東西共通なのだ。 親は子供を思い 子供は親を思っているのに 生まれるすれ違い 親子のやり取りを観ながら なんだか泣けてきた。 「天才」を生み出した家族とは どのような家族だったのか？ 夢を追いかけるとはどうゆう事なのか？ どうする事も出来ない 思いとどのように 向き合っていくのか？ 自分にとって家族とは何か？ 鑑賞後 色んな事を考えていると 胸の奥がジーンとなりました。 深い余韻が残る映画です！ 是非とも劇場で！

誰だっけ、この眼帯のおっさん。なんか見たことあるけど…と思っていたら、とんでもねえお人でしたね。 だが、この作品はスピルバーグ監督作。前作ウエストサイド某の悪夢(個人的に旧作が素晴らしすぎたことと、丁寧だけど説教くさい話の運びが気に入らなかったのですが、あくまでいち個人の意見ですと強調)のトラウマにより、今作はどうかとかなり構えて観に行きましたが。 いやあ、良かった。素晴らしかった。 一見していち映画マニアの話かと思いきや、ちょっと複雑な関係性にある家族の話だったり、芸は身を助く話だったり。 監督の自伝的な内容とのことで、どこまでが本当かはわかりません。ただ、どの世代にも満遍なく刺さる内容だと思いました。 個人的に(なるほどなあ)と思ってしまったのが、家族には理解されないけれど、趣味や熱中しているものが共通している他人ほど、自分のことを理解してくれるということ。 好きだから分かり合える。あるいは同じ血を引いているから分かり合える、ということではないんですよね。 そこを、ある程度の妥協点を見つけて歩み寄れるか。 歩み寄らずに己が道を行くか。 ラスト付近の父ちゃんの、とある決断。 家族だけど、自分とは考え方も生き方の選択も違う主人公に向けて、よくあの決断をされたなと少し感動してしまいました。 我が子だけど、自分とは違う一人の人間として尊重すること。 わりと多くの大人たちが出来ていないことだと思います。私もそうですが。 母ちゃんは…うん。 どこからどこまでが演技で、どこからどこまでが本音だったのか。 それはあのデカいイケメンにも言えますが。 やっぱり自分の得意なことを褒められるって、自分が認められたと思えるし、最強に嬉しいことだよなあと感じたお話でした。 監督。今作はとてつもなく良い話でした。はい。

芸術に携わる人は、抉られるような気持ちになるのではないでしょうか。 心に刺さるシーン、セリフ、感情が山ほど詰まっていて、胸が苦しくレビューが書けません…。 『心を満たして生きていないと、嫌な女になってしまう』 母親が終始素敵な女性であったことに救いを感じました。

上映時間2時間31分、さしたる事件もアクションもないストーリーなのに、まったく飽きることがない。
本作がスピルバーグの自伝的作品であることは予告編などで語られていたが、そのことを知らなくても十分面白い。

この映画の主人公はサミー・フェイブルマン。タイトルの「フェイブルマンズ」とは、“フェイブルマン家”という意味だ。
つまり、本作はサミーと家族を巡る物語を縦糸にしながら、同時に「映画を創るとはどういうことか」というテーマが縦糸として貫いている。この後者のテーマについて劇中、繰り返し語られていて、それが映画好きにはたまらない面白さ。
観終わって、珍しく脚本を読み返したいと思ったくらい。

映画とは嘘である。
サミーが西部劇を撮るエピソードがある。
フィルムを編集をしているサミーは銃撃戦のシーンが「嘘っぽい」と悩む。
そこで彼は工夫を凝らし、フィルムに穴を開けることで迫力あるシーンを創り出すのだが、これは嘘に嘘を重ねて現実感を創っている、と言える。

家族旅行を撮影したフィルムに写っているものは現実だが、編集することで、それは「現実」から遠ざかる。
サミーは偶然、母の浮気を撮ってしまう。だが、そのシーンは編集でカットして、無難な作品に仕上げた。
出来上がった映像は楽しい家族旅行が表現されているが、それはサミーが編集で創った「嘘」だ。そして彼は偶然フィルムに収めた「現実」に苦しむことになる。

ハイスクールのプロムナイトで、お楽しみ遠足の様子を収めた映像をサミーが上映するシーンも同様。
その直前にサミーは彼女にフラれてしまう。傷心のサミーだが、みんなを楽しませる映像を上映しなければならない。ショウ・マスト・ゴー・オン。
映像を撮った時点では、サミーは彼女とラブラブだった。その映像を撮ったカメラは、彼女の父親から借りたものだったし、カメラを貸すからとサミーは映像制作を彼女から勧められて引き受けたのだった。
つまりサミーにとって、その映像は彼女との思い出に満ちたものだ。同級生たちは映像を観て楽しんでいる。それなのに彼だけが傷ついている。
ここでも、サミーが創った映像の中の「嘘」（彼女とラブラブ）は、「現実」（フラれた）によって打ちのめされるのだ。

こうして、サミーは映画を創りたいという夢に導かれ、家族や周りの友人たちと8ミリカメラで映像を撮るのだが、ときにそれは残酷なまでにサミーを傷つける。

本作は幼いサミーが両親と初めて映画を観るシーンから始まる。
サミーは映画館の暗さやスクリーンの大きさなどに怖がっている。
だが、サミーはたちまち映画の魅力に取り憑かれ、その後、8ミリカメラを手に自分で映画を撮り始める。

この冒頭のシーンが本作のすべてを象徴している。
サミーは映画に夢中になるのだが、初めは怖がっているのだ。

そう、映画は怖い。映画人を苦しめるものだ。

ラストに登場するジョン・フォード監督（なんとデヴィッド・リンチが演じている）は映画の仕事を始めようとするサミーにこう言う。
「心がズタズタになる仕事だぞ」と。

両親が離婚しそうなときも、サミーは離れた高い場所に座り、そのやりとりを撮影することを想像してしまっていた。
祖母の臨終に際しても、彼はカメラを覗くかのように死にゆく祖母を観察している。
映画を創る者ゆえの習性であり、業（ごう）だ。

サミーは映画監督になるという夢に近付きながら、映画の夢に与えられ、そして奪われていく。

だがラストは、それでも、夢に向かって歩くのを止めないサミーの姿をカメラは捉える。
思いがけず出会ったジョン・フォードとの会話の余韻に高揚しながら、サミーはスタジオが立ち並ぶ撮影所の通路を歩いていくのだ。

本作の冒頭で「地上最大のショウ」に触発されてカメラを手に取り列車の衝突シーンを皮切りに映画を撮り始めた少年はやがて「激突！」を撮り、「未知との遭遇」や「E. T.」などで「破綻した家庭」をたびたび描いてきたことを僕たちは知っている。

スピルバーグが「スピルバーグになる」以前を描きながら、映画とはなにか、映画を創るとはどういうことか、そしてさらに、何かを創作するとはどういう意味を持つかを語った。
傑作である。

誰もが驚いたであろう、あの嘘のように呆気ない終幕を目にした時の感情は、 「えっ、もう2時間半経ったの⁉」 という幸福を伴った困惑である。 この現象は、語り口の徹底した簡潔さにより時間感覚が失われたことに起因するのだが、 150分スクリーンを見続けた後に、もっと見たかった、という名残惜しさを感じつつ、 劇場を後にすること、これこそ映画における至上の幸福というものである。 スピルバーグの映画には、説話的持続から逸脱した異物的シーンが必ず存在する。 この新作はまさに、そんな突出部のみをくっつけてしまった滅茶苦茶な映画だ。 前後のシーンのつながりは非常に不連続であり、 数多の監督がその不連続をごまかそうと躍起になるのを尻目に、 その出鱈目さをこれっぽっちも隠そうとせずにガシガシとシーンをぶつけてゆく。 その強引さはしかし足枷となることはなく、軽快な簡潔さとして逆説的に語りを豊穣にしている。 語り口の徹底した簡潔さ。 初めから終わりまで、そのあまりの簡潔さに困惑し、ハラハラし、そして興奮したものだ。 思えばそれは１カット目から顕著であった。 夜の劇場の前に立ち並ぶ人々をカメラが下がりつつトラッキングし、会話する家族の前で停止する。 映画館に入るのを躊躇う息子を説得する両親の顔は、息子を俯瞰するカメラに未だ映らない。 息子に目線を合わせようと、父がしゃがみ、母もしゃがみ、 顔見せを終えて、劇場の入り口へと向かう３人をフォローパンしてカメラは、 今から息子を決定的な道へと誘うであろう作品が セシル・B・デミル「地上最大のショウ」であることを明らかにする。 上質な長回しによって口火を切った映画はしかし、 みるみる過激になってゆく簡潔さによって観る者を困惑させる。 例えば、ようやく完成した新居を８㎜フィルムで撮っていた次の瞬間には、 両親の離婚が決定的なものとなっているし、 プロムでのいざこざから些か強引にサミーと母の和解のシーンが提示されたかと思うと、 画面はふいにホワイトアウトし、1年後の父とサミーが同居するアパルトマンへと飛ぶが、 どうしてサミーが父の元へ居候することになったのか、 サミーが就職活動でどんなに苦労していたのかといったことは一切具体的に提示されない。 滅茶苦茶なのはシーンのつなぎに止まらず、 カットのつなぎまでもあらゆる局面で混乱を来している。 雑なポン寄りが至るところで見られた。 前後のカットで人物の立ち位置が変わるところもあった。 デコボコなつなぎにドキドキして、しかしフォードのシーンでは、 マッチに着火→口元の葉巻に火を持っていく、というアクションつなぎが素晴らしく、 そこからさらに同軸上でカメラを引くつなぎもあったように記憶する。 安定しないカット割りは、次が予想できないために常にハラハラさせてくれる。 その心理状態の中、沢山のカットで心を揺すぶられた。 白い照明が大胆に使われた夜のキャンプ場の森なんて、50年代のニコラス・レイの森のようだし、 そこで自動車のライトを背にして踊る母は、「カビリアの夜」のジュリエッタ・マシーナではないか！ 簡潔さとは、単純化では全くない。 説話的な持続が一向に不明瞭なままにも拘わらず、 語りたいテーマのために必要なプロットは強引に展開される。 あのプロムの上映で、イケメンが等身大の自分とスクリーンの美化された姿との乖離に動揺し、 逆に劇中で馬鹿にされたことを怒ったいじめっ子の子分を唐突に殴り飛ばすなんて、 一般の水準でみれば感情の流れとしてあり得ないほど突拍子のない展開である。 必要なシーンを脈絡なくくっつけまくるという戦略。 結果、作品の全貌はゴダール作品のそれと限りなく近似することになった。 実際、本作と「気狂いピエロ」とを比較すれば、 単なる印象に止まらない細部の類似がいくらも見つかるはずだ。 150分の尺をもつ90分映画であり、 スピルバーグが監督したゴダール映画。 そんな新作に出くわして、涙をしないわけがない。 こんなに誰にも向けられていない映画が当たるはずがないのは、スピルバーグも承知している。 その好き放題をみたらばこそ、こんなに心は晴れやかだ。

６歳の時に初めて連れて行ってくれた映画館。 さあ、どんな映画、どんなシーンと出会うんだ？ 6歳のスピルバーグよ！ おおっ！あれだったのか❗️（←見たことないくせに、訳知り風） あれが15歳の時に作った戦争映画だと⁈ 凄すぎる❗️（←プライベート・ライアンの素地が既にあったのですね←誰でも分かる） 少年5〜6人による自転車での街中疾走❗️（←ETのあのシーンに繋がるのか！←誰でも分かる） 列車の衝突シーンの再現、眩しいヘッドライトでドレス（ネグリジェ？）が透ける視覚効果、編集力で際立たせるイケメンスポーツマン（←眩し過ぎる自分を見て虚構虚飾で成り立っていることを悟らせる。視覚効果の陰影だけでなく、演出・編集による人の心の陰影 まで映画は表現できるのだということを既に会得していたのか、凄いぞスピルバーグ⁉️） 理系の天才である父は冷静で現実的で理屈っぽいところもあるけれど、人としてはとても寛容。 プロを目指せるほどのピアノ奏者である母は、子どもたちをあるがまま優しく受け入れるけれど、自身の情熱的な感性にもとても素直なだけに精神的には不安定な人でもある。 さまざまなきっかけや家庭環境、人間関係… そのどれもが、後にジョーズやETやインディ・ジョーンズ、その他数えきれないほどの感動や影響を生み出すスピルバーグを予感させるのです。 この映画、どのエピソードをとっても、後のスピルバーグへの〝予感〟だらけなのです。 2時間半の最初から最後まで、〝予感〟だけで構成されています。 なのに飽きないし、面白い‼️ 思い起こせば、未知との遭遇もETも、鑑賞中ずーっと、これから何か驚くべきことやいいことが起きるという予感に包まれて見ていた気がします。 その予感が的中したのか、どうやってそこにもっていくのか。スピルバーグ監督の映画は、そういう自分の予感が映画の中でどうなっていくのかが気になるから、飽きたり見逃してるヒマは無いのです。 いやーな予感〝恐怖編〟の代表が、激突やジョーズだとすれば、ワクワクドキドキの予感〝そういうのが見たかった編〟の代表がETやインディ・ジョーンズ❗️ 1970年代から2020年代の今に至るまで、本当に感謝の言葉しかありません。同時代に生まれてくれて、ありがとうございます。 【忘れちゃいけないシーン】2023.3.5 追記 あと3日も経つと忘れてしまうので、記録しておこうっと。 少しのネタバレも許すまじ❗️という方は、以降、ご遠慮いただくほうが無難です。 ジョン・フォード監督が、若きスピルバーグに伝えたこと。 その絵を見て解説してみろ。 えーと、馬が二匹遠くを見ている⁈ 人が◯人いて… 違う❗️地平線はどこにある？ 地平線は、上にあっても下にあっても面白い絵になるが、ずーっと真ん中にあったら退屈で仕方ない。 さ、とっとと帰ってくれ❗️ ーThank you❗️ ーMy pleasure. ※戸田奈津子さんの字幕＋私の拙過ぎる英語力なので、正確性は担保できません（←開き直りという）、悪しからず。

映画好きには、たまりません。 地平線! ラスト良かったです。

スピルバーグの自伝期を作品にしたが、全然違和感がなく、フェイブルマンの成長期を垣間見る事が出来た。彼の成長期での出来事をもとにヒット作のヒントとなっているのかと肌で感じた。シーンはネタバレになるので省くが、一つ一つのシーンに作品のヒントがある。これを見つける楽しみが本作品にはある。また、作品を通じて家族との愛、絆、人種差別についてもう一度観客に考えてほしいとのメッセージも含んでいる。スピルバーグの半生期ながら色々考えさせられた映画。見事でした。

良い意味で思ってたのと違った！ 勝手にノスタルジックな映画愛に溢れる作品だと思っていましたが、自分らしくあることへの犠牲と覚悟…スピルバーグ監督から、今この時代に“表現”しようとする全ての人たちに向けてのエールでした。 そして、観客の私たちにも…ラストショット。カメラを覗く作り手の目線に「これから作られる映画たちをお楽しみに！」と言われた気がしました。 全編、光と影がとても印象的です。 映画は光と影の芸術だからですね。 映画の持つ光と影、良い影響があれば悪い影響もある。 そして人間の持つ光と影。 光だけのものはない。両方あるから複雑で美しい。 自分自身に正直に生きること、自分自身を表現することは、誰かを犠牲にしたり、傷つけてしまうこともある。 「でも、それを怖れないで。」 同じくアカデミー作品賞にノミネートされている『イニシェリン島の精霊』にも通じるテーマだと感じました。 世の中には自らを表現せずには生きられない人間と、表現しなくても生きられる人間がいる。どちらも良くてどちらも悪いけれど、自己表現や自己主張には区別と選択が伴う。 何かを選ぶということは、何かを捨てるということ。 『イニシェリン島…』はかなりストイックに突きつけてきますが。笑 女性問題から多様性ダイバーシティへ。環境問題からSDGsへ。 この数年で社会は成長した。 お互いに認めあう世の中で、自分の思いを表現することは、時として配慮が足りないと指摘されることもあるだろう。 「でも、それを怖れないで。」 『フェイブルマンズ』は悲しんでいる家族を前にカメラワークを考えてしまうような…どうしようもなく表現する側の人々を勇気づける作品だったと感じます。 映画がもたらすドキドキやワクワクに魅了された少年は、映画でメッセージを伝えることができることに気づきます。 役者の演技はもちろん、編集や様々な技法で表現された映画は、人々の心に深く入り込み、非常に影響力を持ちます。 なかでも興味深かったのは、虚像に対する苦悩。 これは観客にも責任があり、社会が成長したように、観客も成長しなければならないと感じました。 一昔前だとドラマの敵役はファンから嫌われたりしました。 さすがに今どき、悪役だから悪い人だと思う観客はいないでしょうが。 映画マジックが生んだ虚像を、演じる人に重ねてしまうこと自体は、今もなおあるのではないでしょうか？ あまりにもリアルな演技だと、あたかもその人自身のように感じてしまいますが、 正義のヒーローを演じた役者に、プライベートでも同じイメージを求めていないでしょうか？ 人間なので間違うこともあるのに、ガッカリしすぎたり、必要以上に注目して大騒ぎしすぎていないでしょうか？ さすがに昔のゴシップやパパラッチほどタチの悪い暴かれ方は無いにせよ、逆にSNSなどで縮まった距離からの過剰な反応には、いくら夢を売る商売の人とはいえ精神がもたない。 観客も分別を持って作品とは切り分けて見るように、成長しなくてはいけない気がしました。 使い捨ての消費社会も描かれていて、今の感覚からすると本当に衝撃です。 今とは全く違う社会の価値観の中で生まれた作品たちは、その当時のテーマを当時の尺度で描いている。 昔の映画で描かれる価値観や倫理観を責めて作品を排除するのではなく、見る側の観客がきちんと作られた時代を加味することで学ぶべきテーマが見えてくると感じます。 今までに作られた映画へのリスペクトと、これから作られる映画へのリスペクト。 引き算の余韻に巨匠の余裕を感じました。 おまけ ある学生から「映像を作る時に、自分の作品が誰かを傷つけるのが怖い。どうしたらいいでしょうか？」と質問され 「そんなことなら作るな。それが怖いなら作る資格がない」と答えたのは、大島渚賞の審査員である坂本龍一さんです。

何かを作るということ、特にアートというものへの憧れが加速する映画だった。
結果を残すことがどこまでも重要で、それが全てじゃないなんて口が裂けても自分が心からは言っちゃいけないなと感じた。

スティーブン・スピルバーグの自伝的要素を含みつつ、これまで撮ってきた映画とダブるようなシーンがあるあたり、彼の映画をずっと観てきた人はより楽しめると思う。おもちゃの列車をただ走らせるのではなく、“衝突”というプラスアルファを付け加えてドラマにしてしまう主人公サム。彼の監督デビュー作が車とトラックの対決を描く『激突！』なのも偶然ではない。もっとも、『未知との遭遇』のロイも、『ジュラシック・パーク』のアラン・グラント博士も、『宇宙戦争』のレイも全部スピルバーグの分身といえる。 映像のマジックに魅せられていく一方で、知りたくなかった真実を自ら撮ってしまうサムは、一度は映画を捨てる。映画は功罪をもたらす。でも抗えない魅力がある。 鑑賞前は期待薄だったが、結果的にスピルバーグ作品の中でもベスト5に入れたくなった（どの作品が1位とかは決められないけど）。サム＝スピルバーグの才能がさらに開花していくであろう続編が観たくなったほど。 あと、ラストでゲスト出演的に登場した某監督が、実に美味しいとこ取り。

スピルバーグ作品の中でも最もパーソナルな作品だ。セルフも印象に残るものがあった。また俳優たちの演技がほんとに素晴らしい。

巨匠スピルバーグ監督の自伝映画。 きっと、ずっとこの映画を撮りたくて、温めて温めて作製した熱量が伝わります。 スピルバーグはやはり天才的ですが、一歩間違えたら人生を破滅型の人間であり家族の存在や周囲の人間がいなければ現在のスピルバーグがいなかった可能性もあるだろうなーって思わされました。 母親の存在も、小さい子供がいながら恋をしている母を大好きなフィルムを通して知ってしまう。ワガママで自由放漫に映る。しかし、自分の人生を生きろと後押しする母親を軽蔑する反面、愛する存在であると言う事が映像を通して心に刺さる。 相反する存在で、真面目で絵に描いたような父親。 終盤にお互い交わる事は無くても終わりではないと。切ないです🥹 好きを貫いて行く事は犠牲を伴う事。スピルバーグは若い頃から理解していて葛藤している姿をシンプルに写し出されているのが引き込まれる。常に自分を俯瞰していて、映像のフィルムの中に自分の人生を覗いているんだろうなーと思ってしまいました。 いつまでも、心は青年のままでいるんだろうと思ってしまいます。本当に自分を曝け出した映画なんだろう。 素晴らしい映画です。

途中で叔父さんが呪いのように言うセリフ。
同じ場面で、お前は家族と芸術の板挟みになる、孤独に道になる、的なことも言ってた。

終始そういう話。映画製作のいいところと悪いところ。

芸術肌の自由人お母さんの浮気な心も映画なら隠せる。
いじめっ子を神格化させることもできるし、また別のいじめっ子はダサく見せることもできる。

ただどちらかというとそういう強いメッセージがあると言うよりは、1人の少年が大人になるまでの様々な出来事の記録に近い。
大きな山があるというよりは小さな山が複数回ある。
それぞれの出来事に愛が感じられるのがスピルバーグのいいところで、それぞれの出来事が不思議と退屈せずに見れてしまうのがスピルバーグの凄いところ。

印象的なシーンやセリフが多いのもその理由の一つ。
・地上最大のショウのシーンが忘れられなくて再現する少年
・フィルムにピンで穴を開けて銃撃戦を再現。それは楽譜を母が踏んで穴を開けたところで思いつく。
・ピアノ弾きの芸術肌お母さんは洗い物をしないので、使い捨ての食器を食後にテーブルクロスで包んで捨てる
・母は思いつきだけで竜巻に突っ込んでいく。全ての出来事に理由がある、と
・浮気相手のおじさんからのカメラのプレゼントを無視するでもなく壊すでもなく金を払って受け取るのはスピルバーグっぽい。それでいて金をさらりと返される
・母は今度は猿を飼い始める
・交際相手はイエス大好き。
・デビットリンチがジョンフォード役
・地平線は上か下かだ！のあとに真ん中から下へと地平線を動かすカメラワーク

芸術家の自由人母とエンジニアの天才父からスピルバーグが生まれるのはまるで必然かのよう
様々な嫌な人間や出来事が絵が描かれるのに、怒りこそあれどそれがねちっこい憎しみにならずなんだかんだで愛で包まれているのはスピルバーグのさすがの人柄。

テーマは「許容」 スピルバーグが父性を描けない理由がわかるが、 結局父性(男らしさ)は描けていない。 ジョン・フォード役はデヴィッド・リンチ。 本作品こそ王道のアメリカ映画。 (2023年は『エブリシング・エブリウェア・オール・アット・ワンス』がアカデミー賞6部門を獲得) ちなみに本作で言及された映画は 　『地上最大のショウ』(1952) 　『第十七捕虜収容所』(1954) 　『大脱走』(1963) ジョン・フォード監督 　『リバティ・バランスを射った男』(1962) 　『駅馬車』(1939) 　『わが谷は緑なりき』(1941) 　『男の敵』(1935) 　『捜索者』(1956) 　『三人の名付親』(1948) 　『黄色いリボン』(1949) 　『怒りの葡萄』(1940) 　『静かなる男』(1952) 91点

８ミリがスピルバーグの出発点。 家族を映し、クラスメイトを映す。記録を紡ぐことが彼の存在証明。 ８ミリは人間の裏の顔を無意識のうちに映し出してしまう。 彼は無意識のうちに裏の顔を感じとっていく。 両親の仮面夫婦ぶり。父親の打算、母親の揺れ動く心、クラスメイトの意外なコンプレックス、無意識がなせる想定外の行動。 ８ミリは真実を焙り出す魔法なのかもしれない。 彼の感性は、映像の意外性から湧き出てくる。 彼の原点は彼らに委ねられていたのだ。 そう唸らせる、父親役のポール・ダノと母親役のミシェル・ウィリアムスのコラボが絶妙だ。

とても深く優しく悲く、でも暗くない映画だった。
正直一度の鑑賞では全てを理解することは難しく、追って再び鑑賞した。

パパ: IBMの天才エンジニア。妻が大好きで優しい合理主義者

ママ: 子供や夫を愛するお母さん。でも自分を自分らしく保つために必要だったのは夫ではなく、夫の友人。家族を犠牲にしてでも自分の在り方を貫いた。

サミー: 映画を諦めきれずに大学を中退しそう。

家族と自分の理想というテーマで鑑賞すると、

家族を犠牲に自分のあるべき姿を追い求めた母。
妻を心から愛していたものの、自分が与えきれていない何かを感じていた父。そして離婚が成立。
母は、父にはこれ以上の幸せがあるはずなのとサミーに話す。
しかし父は離婚によって得るものはなく、IBMでの順調な仕事だけが人生となる。
一方母はアリゾナに戻り好きな男と幸せを送る。

妹のセリフ: 自分が到達できないような人(天才のパパ)に崇められてママは大変よ。ダニーはママを笑わせてた毛けど、天才のパパは静かに話を聞くだけだった。

そんな中サミーはハードな学校生活に耐えかね、映画の仕事は諦めきれないでいた。

父は仕事を諦めない人、母は自分の理想を追い求めて人生を諦めない人。
良い意味でも悪い意味でも、自分の気持ちを最優先した親の子供であるサミーは自分の好きなことを絶対に諦めない人だと、最後、父は悟ったのではないか。

父が私生活共に幸せになるには、他の女性と結婚すべきだった。でも妻を心から愛していたから結婚し、妻の気持ちを優先して離婚した。
一方母は子供や夫を傷つけたという罪悪感はあれど、新たな暮らしを幸せに送っている。

どうすればよかったのかとかいう問題ではなく、これが運命というものなのかな。

No. 1319

スピルバーグの幼少期から青年期のストーリー。 史上最大のシヨウを見てから夢中になるカメラを通してストーリーが進む。彼の繊細さと大胆さが垣間見える映画。1回目より2回目さらに3回目見るうちにスヒルパーグがまた好きになる。 父親は天才、母はそんな父を愛すも、心は親友の愛情を欲していた、まさかの内容。 カメラでキャンプの様子を取るうちに、母と父の親友の愛情を知る。知った後の少年の心が良く描かれる。 母の相手役がまさかのセスローゲン、これがとてもいい味出しており、見ていて納得する程に。 可能ならば映画撮影前迄の導入部まで見たかった。父や叔父の血を、の天才を、受け継いたスピルバーグをもっともっと見ていたい作品でした。 ある監督との会話の中、絵が未知との遭遇を匂わす。 スピルバーグの映画がもっと見たい！