ノルウェイの森のレビュー・感想・評価

言わずと知れた村上春樹さんの代表的な小説
2度は読んだと思うが、映画になればそれは、作り手の解釈になる。
そして、小説に心が揺さぶられた場合、映画の解釈に純粋に焦点を当てることもまた難しい。
非常に悩ましい。

小説の「僕」という一人称に対し、映画も一人称ではあったものの、小説の雰囲気の多くが削り取られ、明確な視点、着地点という無理矢理感は否めない。
個々人の考える余地を、特定してしまっている。
やはりどうしても私自身の解釈と、映画の解釈をミックスするようにしかできないので、レビューは相当偏ってしまうだろう。

さて、
この物語、小説での冒頭　主人公ワタナベ（僕）は国際線に乗ってドイツに到着するが、流れてきた音楽がビートルズの曲、この作品のタイトルとなる。
しかしこの冒頭はどこにも帰結しない。
単にそれが、ワタナベが過去を思い出すきっかけとなっただけだった。
そして映画ではこの部分は削除されている。
その代わりに、最後にキズキと直子は死んだ当時のまま永遠になったことだけが伝えられた。

この恐ろしいほど純粋な恋愛物語を、村上氏は「Sex」というモチーフで表現した。
その是非が好き嫌いを分けるが、この物語においてSexは非常に重要な意味を持つ。

一般的に我々は、恋愛の延長線上にSexを考え、それを受け入れる。
少なくとも物語の「当時」はそうだった。
同時にその次代は多様化の始まりでもあった。

ワタナベは、視聴者の等身大だと思う。
だから、彼こそがキズキの自殺理由や直子の精神崩壊理由を探さなければならないことになる。

直子の深い苦悩は、キズキの自殺という喪失感だ。
ナオコが一度もキズキとSexできなかった理由は、「直子自身」にあった。
それは、誰もが経験する嫉妬のようなものだったのではないかと、この映画から感じた。

3歳からいつも一緒だったキズキと直子は、いわゆるソウルメイトのようなもので、逆に一つのソウルだったのかも知れない。
それは「男女」という関係ではなく、「ひとつ」　つまり「The ONE」だ。

この二人にはSexという一般的なものは不要だったし、ある意味自分と自分がSexするようなものだ。
この「The ONE」と言う絶対感と、人間であることの矛盾感キズキを襲ったのかも知れない。

それが、「浮気」のようなもので、それを直感的に知った直子は、自動的にキズキとSexできない状況になった。
もしかしたらキズキは、直子とする前に勉強しておきたかったのかも知れない。
これが最初のミステイクであり、二人を破壊することになった。

人間であるキズキと直子は、一つのソウルという強く枠で覆われながらも、人間という肉体をまとった矛盾のなかに、キズキのした不貞をどうしても受け入れられない「身体」となった。

直子の初潮とキズキの前でした号泣は、人間故の出来事であり、矛盾であり、不穏であり、予兆であり、神話のようでもある。

後にキズキは自分のした罪を明確に知ることになった。
その時点ですでに彼は、人間として生きていくべきではないと悟ったのだろう。
それが自殺となった。

一方、人間として生きていた直子にとって、それほどの喪失を感じたことなどなく、彼女は身体の勝手な反応という矛盾という苦悩に加え、喪失を味わうことになった。
もしかしたらそれは、長い時間をかけながら、人間としてゆっくり昇華できたのかも知れないが、ワタナベとの再会がキズキを思い出させ、何故できなかったのかという「問い」の答えを引き出していったのだろう。

それは、キズキとは絶対できなかったSexをワタナベとできたことに端を発する。
20歳の誕生日
それは、直子にとって来てほしくない日
理由は、キズキとの答えをまだ出せていなかったから。

しかし、行為後に訪れたじっくりとした理解
ワタナベは道程ではなく、何人の女性としているという直感
同じものを身体の何処かで感じてしまった記憶　キズキのこと

この神話のように絶対に守るべき貞節という「純愛」が失われたことは、その証明のために生まれたはずだという直子の根幹を破壊した。
直子とキズキは、お互いだけに許されたSexという、生前の約束のようなものあったように思う。

これを「純愛」のようなものとして、決して失わないように務めていたから、3歳で出会い、すべてを共有してきたはずだった。
記憶はないから、直感と身体でそれを感じるだけ。
それに気づいたときは、もう遅かった。

これは個人的解釈だが、作家はそこまで作り込んでいるはずだ。

この肝心な部分は語られることなく、他の登場人物を通して語られる。
その一人が礼子さん
彼女の7年前の悪夢は、映画では描かれていない。
しかし、ワタナベとのSexで昇華されたようだ。
礼子さんは形見分けの直子の洋装を着てワタナベを訪問した。
そこに宿っていたのが直子自身であり、Sexは人間としての「赦し」に変わる。

作家は、人間だけが欲求や行為としてのSexを、「感情」がコントロールしている不思議を描きたかったのかも知れない。
動物ではなく、霊的なものであればSexなど不要で、欲求もなければ行為もないだろうが、それに置き換わる何倍もの「喜び」があるのではないかと考えたのだろうか？

霊的な存在の人間と、動物的本能のある人間　この当たり前で矛盾した存在　「人間」
同時に生じる「苦悩」　存在そのものを殺してしまえる「自殺」という手段もまた人間的であるものの、霊的にも動物的にも矛盾している。
この矛盾の根源が、「Sex」という行為

宗教的視点や文化的視点、または教育、その他個人的思惑という色眼鏡によって、「Sex」というものがいかようにも見えてしまう。

そして苦悩に陥るのは、「OOべき」という思考　「あるがまま」を受け入れられず、「OOべき」ことができなかった自分に対する嫌悪感や慚愧の念、自己憐憫…
こうして人は自殺する。

映画では、最後ワタナベがミドリを選ぶようにできていた。
しかし小説では、ワタナベは直子の苦悩を受け取ってしまったかのように描かれる。

冒頭のシーン
あれは、外務省に就職した永沢さんを追いかけるようにドイツに行ったことを描いていたように思う。
それは、初美さんを自殺に追い込んだ永沢さんを軽蔑した自分自身が、結局直子を自殺させてしまったことに繋がってゆく。

初美さんに苦言を言われたスワッピング
心の中では永沢さんのことを軽蔑していながら、ワタナベ自身同じ穴のムジナだったことに気づいた。
ワタナベにはもう縋れるのは永沢さんだけになった。

奇しくも機内で聞いた「ノリウェイの森」によって、忘れるために行くはずのドイツへの旅が、思い出させるための旅になる暗示。
この矛盾
この作品は、とらえどころのない程難しい人間の性とも呼べる永遠の苦悩を描いている。

映画でまして2時間で表現できるものではなかったのか

長らくこの映画を避けていた。
それは一種の宗教的禁忌に近い心持ちだったと言っていい。
なぜなら、『ノルウェイの森』は、僕の心的風景の奥深くに封印された、最も繊細で破れやすい記憶の一頁に他ならなかったからだ。

直子。
その名は、単なる固有名詞に留まらない。
あれは、女という存在が、男にとってどれほど脆く、不可視で、そして美しく破滅的であるかを象徴している。
原作における彼女は、決して露骨な激情を見せず、寧ろ淡々と静かな地獄を歩く幽鬼であった。

しかし映画の直子は、まるで肉体そのものが感情の器官となったかのように、悲嘆と狂気を声と涙とで可視化していた。
その嗚咽、その慟哭――言葉が泣き声に呑まれる瞬間、それは、言語という文明の秩序が、死者への愛という混沌に敗北する刹那であった。

松山ケンイチ演じるワタナベは、原作で漂っていた「読めなさ」を清廉な苦悩として体現していた。彼は情熱を口にすることなく、誠実さを怒鳴らず、ただ佇みながら全霊で闘っていた。
その姿には、武器を持たぬ兵士のような痛ましさがあった。
“飄々”という仮面の下に沈む彼の良心は、現代の倫理では処理しきれない、ある種の古典的な贖罪の形式を帯びていたようにすら思える。

これといってひっ迫した感情が読めなかったワタナベが、この映画を経て僕の中で不器用で痛ましいほどやさしい男の子に変わった。

緑について言えば、原作で感じていたある種の人工的な「陽性の仮面」が、映画では肉体を通じて一つの生の意志へと昇華されていた。

水原希子の繊細な骨格と、どこか気だるく、それでいて烈しい目線は、哀しみに裏打ちされた生命力を体現していた。
母を喪い、父を看取り、姉とは交差せず、恋人とは共鳴しない――それでも彼女のその姿は、悲劇という枠組みを拒否し、「存在」を選び続ける凛とした少女像であり、観る者に強い恋情すら喚起させるものであった。
僕は本気で、彼女に惚れたと、そう言って差し支えない。

だがこの映画が僕に最も強く突きつけたものは、「阿美寮」という閉鎖空間に宿る純粋なる苦悩の違質さである。
直子やレイコは、我々とは異なる原理で構成された魂の住人であり、その目は、我々が生きる「言葉と現実の連続性」からすでに逸れていた。
彼らの目は、夜の底を見ていた。
かつて僕はその「病的なもの」を自分自身の苦しさとの親しみと錯覚していた。
だが今は思う、それは同じ傷ではなく、別の位相の闇だったのだと。

彼らは、“死と共存する者”であり、僕らは“死を避けながら生きる者”である。
この裂け目を無視して直子を救うことはできない。

それでも僕は、映画を観ながら何度も「どうしたら救えるか」を考え続けていた。

『ノルウェイの森』が１番好きな村上春樹小説というわけではないが、村上春樹のファンなので公開当時に観た。トラン・アン・ユン監督はあまりにも眠い作風で苦手だったし、配役もピンとこなかったので、どうなるかと危惧してたんだが全くの杞憂だった。原作の雰囲気を見事に写し取っていたし、配役もドンピシャ。特に水原希子は素晴らしかった！　僕の目が節穴でした。どうもすいません。

原作は出版当時読もうとしたが、どの本屋も売り切れでそのまま未読。今なら文庫本で出ている？。
その後「主人公が登場する女性達と○リまくる」というネット評価を見て、がっかりした。
映画も公開時に見損ねる。
今回、鑑賞の運びとなった。出だしでは気づかなかったが、進行するにつれ、ワンシーンワンカットが陰影、ライティング、フレーミングを含めて実に良く考えられており、それだけでも観る価値はある。長回しが無いと思ったが、これもちゃんとした、意義あるシーンで登場。思わず唸った。女優さん達にもっと有名どころを起用すれば大ヒットしたろうが、今の日本の女優さんは濡れ場に及び腰の人が多いように感じられるので、キャスティングに苦労したのかもしれない。原作は読もうかどうか迷っています。
トラン監督にはまた日本の作家を原作とした映画を撮って欲しい。

原作を読んでいるから復習的な楽しさはあったものの、これだけ単発で映画を見たら相当退屈してただろうな
映像化にケチをつけるのが生きがいの原作ファンにはなりたくないけど、映画はむじい

こういう作品を「感覚的映画」って名付けよう

感覚的な作品は本であればまだ字で追えるから最低限の理解はできるけど、映像表現ってなると途端に味気がなくなるよね
否定してる訳じゃじゃないよ！僕には映像から全部読み取るのがハードル高いだけ
でもある程度引き込まれないとセリフひとつひとつが全部上滑りしてるように聞こえる

もっとアトラクション的な映画が好き
アトラクションってのはシンプルにアクションとかVFXだけの話じゃなくて、、、とにかく退屈させないでほしい
この後に見たゴジラvsコングめちゃ面白かった

2016年のな夏、村上春樹ワールドに出会っています。『ノルウェイの森』でデビューしました。

色々と起こる中ゆっくりと時が進む感じが良い
。
原作未読というのもあるかもしれないが正直何を伝えたいかも良く分からず「あ、これで終わりか…」という感じだった。
原作を読んだ方の良いレビューも多くあるので、買ったばかりの小説をこれから読み進めようと思う。

1)　原作の基底に流れる政治の季節への嫌悪感
日本文学は第二次大戦後、長らく政治の季節に突入する。60～70年代には安保反対の学生運動が盛り上がり、それを反映した作品が数多く書かれた。例えば、高橋和巳、例えば『されどわれらが日々』…。村上春樹が『風の音を聴け』でデビューしたのは、70年安保の余燼がようやく治まった79年のことである。注目されたのは、その政治性の欠如、徹底したノンポリぶりで、吉本隆明は「テーマの欠如自体がテーマ」と評していた。

村上がこうした政治の季節に大いなる違和感を抱いていたことは、82年の『羊をめぐる冒険』で登場人物が語る「搾取？　そんなものは存在しない」のひと言に示されていたと思う。そして87年の『ノルウェイの森』は、彼の政治の季節への嫌悪を全面的に表明したものだったのである。

小説は68～70年の日本の学生生活を背景にしているが、主人公のワタナベは大学をバリケード封鎖した学生たちを、内心で「下劣な連中が風向きひとつで大声を出したり小さくなったりするのだ」と罵倒したり、「1969年という年は、僕にどうしようもないぬかるみを思い起こさせる。一歩足を動かすたびに靴がすっぽりと脱げてしまいそうな深く重いねばり気のあるぬかるみだ」と、この時代への違和感を記す。
政治少年たちの愛読書が大江健三郎、ドストエフスキーだとしたら、ワタナベはフィッツジェラルドにアップダイク、寮の先輩・永沢はバルザック、コンラッド、ディッケンズ…よりによって政治的問題意識を排除した作家たち。そして、政治の季節の終焉を告げるように、性の季節とでもいうべきものを対置させるのである。

2)　政治の季節から性の季節へ
文学における性とは、それまでは政治的な性であり、反権力としての性だった。性的なものを隠そうとする権力を攻撃するための性、例えば「サド裁判」であり、『ボヴァリー夫人』であり、D・H・ローレンスであり、河出書房『人間の文学』全集だった。また愛とは堀辰雄のような理念であり、志賀直哉のような妄想であった。

しかし村上は本作で、ごく普通の学生の日常的な性愛を現実的に表現したのだった。そこでは従来、権力論や理念や妄想で語られていた男女の関係が、性や欲望、好き嫌いを中核とするものとして語り直されている。昔からポルノには事欠かなかったが、ここにあるのは読者が普通に行っていることをそのまま現実的に描写した純文学作品なのだ。
政治の季節を嫌悪し、政治的表現の一形態だった性愛を非政治的なものに置き換えた、「政治的なものに対する否定という政治的メッセージを含む小説」が本作だったと言えるのではないかｗ

死と性を大きな要素としたワタナベの非政治的青春は、「あなたがもし直子の死に対して何か痛みのようなものを感じるのなら、あなたはその痛みを残りの人生をとおしてずっと感じつづけなさい。でもそれとは別に緑さんと二人で幸せになりなさい。あなたの痛みは緑さんとは関係ないものなのよ」というレイコの言葉で一つの帰結を迎えるのである。

日常的・現実的な性という意味では本作は文学作品としては新しいものだったろう。その自覚があるからこそ、村上はここから文学的に再出発を果たしたのではないか。（その後の作品は未読なのであくまで推測ですｗ）
作品末尾の「僕は今どこにいるのだ？　でもそこがどこなのか僕にはわからなかった」という唐突な表白は、政治の季節から自分を解放して性の季節に到達し、これからどのような表現をしていけばいいのかという文学的な当惑を表していた気がする。

3)　サブカルチャーにおける性の先取りと本作の映画化の失敗
ところで映画や流行音楽といったサブカルチャーは一足早く、そうした現実の性的関係を描いていた。米国映画では1968年頃までに自主規制が無効化されたから、大胆な性的表現も当たり前のことだし、日本でも警察の猥褻罪関係の規制は徐々に緩んできていた。
性的表現では文学などより映画、音楽といったサブカルチャーのほうが先に進んでいたとするなら、87年時点で村上が文学表現において新しかったとしても、サブカルチャー的にはとくに斬新でも革新的でもなかったはずである。

表題のビートルズ楽曲だってセックス目的で女性についていったら、安物のノルウエー松材の内装を自慢された挙句、はぐらかされて苦笑いしている歌。つまりサブカルチャーは性的コミュニケーションを先取りし、それが日常化していた例証である。
とすると本作を映画化するにあたって性的表現を重視すると、ろくなことになりそうもない。むしろ政治的表現との対比から語りだすべきだった。それは誰にでもわかりそうな話なのだが、いかんせんこの映画はセックスを強調するかのように組み立てられた。

したがって構想の時点で失敗が決まっていたような話であるうえ、女性キャストが菊地に水原では如何ともしがたいだろう。しかも人物もストーリーも原作を単になぞっただけ…二重三重に失敗が決定されていた映画としか言いようがない。映像に素晴らしいものがあるだけに、何とも残念だ。
そういえば映画版『風の歌を聴け』も、日本の港のどんよりとした曇り空のシーンにビーチボーイズ『カリフォルニア・ガールズ』が流れる凄まじいものだったっけな。あのような愚挙を「政治性」と呼ぶのであるｗ

補足）
上記のレビューで「表題のビートルズ楽曲だってセックス目的で女性についていったら、安物のノルウエー松材の内装を自慢された挙句、はぐらかされて苦笑いしている歌」と書いたが、それと関連する本を最近読んだので、参考までにご紹介しておこう。

小関隆著『イギリス1960年代～ビートルズからサッチャーへ』には次のような記述がある。

「『ノーウェジアン・ウッド』を例にとれば、この曲が描くのは、1960年代に進展した性的モラルの変容を背景とした、どこか虚無的な男女の駆け引きである」

ビートルズ1963年のヒット曲「アイ・ウオント・トゥ・ホールド・ユア・ハンド」は何故、「手を握りしめたい」と歌ったのか。米国に比してイギリス社会はきわめて奥手だったから、ファンの少女たちに受け入れ可能なのはこの程度だったというのである。

しかし、この時期のイギリスは豊かな社会の到来と教会の権威・影響力の低下に伴い、文化革命が進展しつつあり、その一環として性的モラルも急速に変容していく。
ピルの普及により婚前・婚外セックスが広がり、公共放送BBCの教養番組では心理学者が「大切なのは純潔より愛だ」と講演した。国教会の偉い聖職者も「セックスは徹頭徹尾よきもの、神が与えたもの」と明言する時代であった。
『ノーウェジアン・ウッド』のような性的な駆け引きの歌が登場した背景には、このようなスインギング・ロンドンの時代における性的革命があったわけだ。

小関は「性に無知で、性行為に罪悪感を覚えていた若者たちが、性を語り、性の知識を獲得し、人生を充実させるものとして性行為を捉え直していったことは、たしかに革命と呼んでも過言ではない」と説明する。これは村上の小説のレビューに転用してもおかしくない。

『ノーウェジアン・ウッド』の発表は1965年、村上春樹『ノルウェイの森』の舞台となるのはそれからほぼ5年遅れの日本である。
当時、日本国内でビートルズの曲が性的な曲として理解されることはなかったに違いないが、流行歌のメインストリームである演歌は、ビートルズなどより遥かにキワドイ男女の関係を内容としていた。それは宇多田ヒカルの母親の代表曲を持ち出すまでもない。
したがってサブカルチャーが性的コミュニケーションを先取りしていた事実は動かないのだが、それをメインカルチャーである"純文学"化するには、さらに20年近くの時とバブル経済が必要だったのだろう。

ストーリーにいくら忠実でも感動に至らないのだと思います。
2010年。監督は「青いパパイヤの香り」のトラン・アン・ユン(ベトナム人)
村上春樹の「ノルウェーの森」は、
1000万部以上売れたそうです。
村上春樹の作品(エッセイを含む)の魅力は、引用にあると思います。
フィッツジェラルドの「華麗なるギャツビー」やサリンジャーの「ライ麦畑でつかまえて」
を知ったのは村上春樹の著作からです。
そしてその本を読み、ギャツビーはレッドフォードの映画を観た。
音楽もそう。本に出てくる音楽は探して聴いた。
jazzバー(昼はjazz喫茶)を２０歳から３０歳まで彼が経営してた話しは有名。
伝説のjazzバーと、言われている。
毎朝、ランチのコロッケを100個以上手作りしていた、キャベツの千切りも山ほど。
音楽・・・彼はjazzのみならずクラシックにも造詣が深く、オペラにも詳しい。
ギリシャやイタリアに転々と暮らしてた頃のエッセイでは、町のオペラハウスに
ふらっと入る記述が多かった。
彼の本には村上春樹の芸術への理解と造詣が深く投影されている。
そこを映像化するのは、まず不可能でしょう。

映画は、確かにこんな粗筋でした。
私は本を読んだ時、直子さんが、なんとも厄介な女性に思えました。
精神を病んだ直子は自分で自分をコントロールできない。
彼女の我儘を「もちろん！！」
と、即答して叶えるワタナベ。
病的なキズキや直子に較べてワタナベは健康すぎる肉体と精神を備えている。
しかし周囲の人間(カジュアリティーズ=犠牲者たち)は、死を選ぶのです。
村上の著作は死の影がいつも慣用句のようにつきまとう。

映画は美しい自然描写・・・緑が目に眩しく。
ワタナベが直子の死から受けたショックから立ち直るべく、彷徨う冬の海辺の岩場。
とても詩的で秀逸です。

この映画の収穫は松山ケンイチの美しさでした。
演技も、ワタナベの捉え方も良かったと思います。
彼の精神の強さ、それは同じくワタナベの強さで、
だからこの映画は観るべき映画になった。
そう思います。

ドライブマイカーを見たこともあってアマゾンプライムで鑑賞。

原作をよく表現されていると思いました。映像、音楽、演技、申し分なかったです。

ただストーリーについては原作や春樹ワールドを知っていることが前提になっている気がしました。
綺麗に引き算されていて、私はよかったんですけど、恐らく原作を知らないと展開に付いていけなくなる人も多かったんじゃないかなと思います。

またこれは原作からそうなのですが、一種の官能小説として受け入れる準備がないと辛いと思います。とにかくセックスのことばかりです。さらに、この主人公は村上作品群の中でも特に最低な部類に入ります。正直、感情移入できる人の方が少数派なのではないかと思っています。

あまりにも評価が低いので他の方のレビューをいくつか見ましたが、やはり上記の点で低くつけている方と、他には菊地凛子さんが原作のイメージと違うことが主要因のようでした。直子役としては確かにかなり違和感がありました。原作で語られるような「もろさ」が伝わってこなかったからかもしれません。今（2022）でしたら有村架純さんがベストマッチな気がします。

ただ作品としては、本当によくできたと思います。
原作のイメージが強すぎるためにファンから嫌がられ、原作が春樹ワールド全開だから非ファン層から嫌がられる、不遇の作品だと思いました。そもそもこの原作を選んだ時点で、監督もその覚悟の上だったのかもしれませんが。

原作を読んだのはいつだったか。
めちゃくちゃ騒がれてて、流行りに飛びつくように読んだ。
この映画を観るまで、内容を忘れてしまってた位なので、原作と比べるのは無理ですが、見終わって率直に好きだなと思った。

松山ケンイチの演じるワタナベは、無感情な台詞回しが、止まった時間を生きている姿を上手く表現してて良かった。
逆に、常に感情的な直子の表現も、苦しみが伝わった。
ワタナベを筆頭に、感情をのせない台詞回しや演技が、ワタナベの見る非現実的な世界を感じさせてくれるように思った。

『映画レビュー』のクラスを教えているが、学習者のリクエストがこの映画である。私は村上春樹の作品に興味がなく、『海辺のカフカ』だけ読んで、それ以上は紐解かなかった。しかし、日本語の教師なので、学習者が決めた本、青豆がどうしたとかいうのやらを一緒に読んで学習者の読解を助けたような気がする。学習者には村上春樹ファンが多いようだ。ある生徒は現在早稲田大学院文学部で勉強していて、高校の時から作家になると言っていた。彼も、ハルキに夢中だった。頭の古い
私にとって、彼の表現はつまらなく感じだ。個人的な感想だが、『もちろん』の多発が例だが、英語の直訳のように思う。文章表現の仕方が、上級だが、日本語学習者の作文のような気がした。あくまで、私感であるから、ご理解を。　それに比べると、三島の『金閣寺』などは『これが純文学！』だと叫びたくなるように表現力が豊かだ。

この映画も、学習者からの要望で見てみた。討論に使うので、よく理解しておきたかった。主人公ワタナベ （ 松山ケンイチ）がたとえば、全学連に入っていて、学生運動に力を入れていて、思春期で異性に芽生えているなら、もっとワタナベに寄り添って考えられるのにと思った。それに、彼の読んでいる文学が、当時流行の作家、高橋 和巳ならもっと感情移入できた。私はどれも満足に読んでいないが、『悲の器』『我が心は石にあらず』『邪宗門』などは当時全共闘に属していない人でも読み漁っていたのを知っている。もちろん、大江健三郎の『万延元年のフットボール』も。　しかし、ワタナベの読んでいる本はなんだか見当もつかない。ワタナベの先輩、永沢 （玉山鉄二）のワタナベの読んでいる書物に対する批判だけじゃどんな本を読んでいるかヒントにもならなかった。

それに、行間を読ませるような短い会話で、こういう作品を理解するのは私の不得意なところだ。　会話が極端に短い。でも、登場人物は意志の疎通ができているようで会話がスムーズに運んでいるようだが、私にとってみると、もっと自分の気持ちを会話にしてくれたら、勘繰らなくてもすむのになあと思った。苦手なタイプの映画で、個人的にイラン映画、トルコ映画のように字幕が長いのに好感が持てる。しかし、ワタナベ の静かに話す口調はこの映画の圧巻で、社会で起きていることには興味が持てず、自分の心の置き場もないような性格が滲み出ていると感じた。何を求めて生きているんだよとか、これからどうしたいんだよと声をかけたくなるような青年にぴったりの口調だ。ポジティブに考えれば、只今、人生模索中といえよう。

もういちどいうが、これは日本映画だが、『英語を直訳した』ような表現を使っているのがギクシャクした。だから、若者の会話なのに、私のとってみると、うまく流れていかないのを感じた。私は団塊の世代の一歩前だから、1967年の時代は現実味がある。私も読書の虫、特に純文学の虫。それに、中核派によって、講義がよく阻止されたのを覚えているし、ワタナベのように、アルバイトに勤しんでいた。
最後に、性的表現の直球が何を意味するのかわからなかった。当時、こういう直球が若者の間で広範囲に使われていたのだろうか？
この映画は私が話し合うトピックを考えるのではなく、この映画を選んだ学習者に考えさせよう。その方が自律性のある授業になるし。

ということを前置きして。ドライブマイカーを観て思い出したので。

村上春樹さんは恐ろしい話や実際の事件から着想を得た話でもこれでもかという程、淡々と描く方だと思っています。なんなら、ファンタジーなのかな？と、思うくらいです。まぁ、ファンタジーなんですよね。

なのに読んでると泣けてきたり笑えたり、琴線にことごとく触れるという、文学表現におけるある種の天才だなぁーと思っていますが、必ずしも全ての作品が好きなわけでも無く、すっかり忘れ去っているものもあります。

しかし、これに関しては、かなり好きな方で、この空間を切り取った描き方がクセになる作品だと思います。ただし、行間を好きなように読め、想像できる作品ほど映像化が難しいものもなく。

期待していなかったのですが、監督は頑張った！と、思います。わかりづらい、行間だけを描いた様な作品をわからない感じで作ったという事は、ある意味原作っぽいのかなぁと（笑）

まぁ、どんなに人気でも映像化するには向き不向きはあるのかなぁと思います。

ということで、ドライブマイカーは成功してます！短編だったのが良かったのでしょうね。

そもそも原作自体大した小説ではないと言ってしまうと身も蓋もないけれども。
監督は頑張っていい作品にできてると思いますよ。
僕はこの原作を読んで、なんかノスタルジーなのかな？って思ったんですよね。
全共闘世代のノスタルジー？
でもそれって私には全く響かなかった。
大した小説じゃないというと語弊があるね。
"読む人を選ぶ小説"と言えばいいかな？
あんまり一般化するような物語ではないように感じたんですよ。
正直一般化するなら初期三部作の方が遥かにそんな感じする。まああれもクセがあるけども。
そしてこの映画である。
水原希子の演技が素晴らしいですね！
緑さんを力演しております。
あの飄々とした感じ、なかなかこれを出せる人はいないですよ。色っぽい。えっちなこと言ってもいやらしくない。いや、いやらしいんだけど嫌じゃない。あんなに好き好き言ってたのに次の日にはいなくなってそうなこの感じ(笑)
基本主人公の男性のナルシスティックで団塊ノスタルジーな物語なので、そこはもう置いておこう。水原希子素晴らしい。それだけで3.5！(笑)

映画と小説が異なる作品は多い。だがこれは、原作に忠実に作ったけれど、一致していない部分があるように見える。だからこそ疑問点がいくつか残るものとなった。女性陣の雰囲気と、ラストシーンが顕著だ。

まず直子。原作に描かれていた、少女のようなか細さや繊細さが薄かった。吠えるように泣く姿は、私の思い描く直子と異なっていた。だがそれによって、原作でいまいち掴めなかった、彼女が「自らが心底愛していた男性とは交われなかったのに、その親友との行為にとてつもない快感を覚えたこと」苦しんでいたと分かった。その点に関しては良かった。

続いてミドリ。彼女の奥底に潜む闇と、それを繕おうとする強さコントラストこそが彼女の魅力であると私は思っている。だが、この作品では彼女が最初から謎めいた繊細な少女に見えてしまう。水原希子が細くて色白なのも相まってだろうか。「幸せになりたいの」から「抱き締めて」の下りにはミドリらしさを感じられたが。

そしてラスト。原作では直子の死を悼みつつ、導き合うように、不思議に、レイコさんとワタナベが一夜を共にする。原作では、あの何とも形容しがたい雰囲気に魅了された。だが映画ではまるで、レイコさんがワタナベに自らの女性性を覚まさせて欲しいと懇願するように見えた。ただの性行為のように見えたのだ。

ワタナベがミドリに鳴らす電話の下りもいまいち。原作では、時系列がいつなのか、ワタナベが本当に何処にいるのか、全く分からない状態であった。その謎について様々な論文や解説サイトが生まれているのも事実。ただ映画だと、否、映像と音声で伝えられるからこそ、その謎が少し明らかになってしまうのが残念。個人的にはワタナベが数十年後に電話を掛けるのかと考えていたので何とも。

酷評をしているが、この作品で良かった点もある。ワタナベの演技だ。あれはもう松山ケンイチではない。ワタナベトオルであり、若かりし頃の村上春樹だ。そう思わせてくれる彼の演技に天晴れ。

そして音楽。原作にも映画にもマッチする音楽に酔いしれた。映画のサウンドトラックを購入したのは初めてだ。

登場人物それぞれの悲しみ、苦しみ、それを乗り越えて、強くも弱くも生きること。これは映画にも原作にも通ずることである。肝に銘じて生きていきたい。

前提として映画といえば、スカッとするものか、後を引くものが好みです。
海辺のカフカ以降は読んでいませんが、村上春樹ってなんとなくヤオイ系（ボーイズラブではない、山なし落ちなし意味なし）を巧妙に使って雰囲気で読者（＝ハルキスト）を酔わせるのに長けている大家じゃないですか。話の運びの面白さという点からは離れているため、商業的な映画にすること自体がある種、無謀のような気がします。
熱烈なハルキストではない自分からしても「ここは違うなあ」という点が（特にレイコさん。逆に一番マッチしていたのはハツミさん）出てきて、終始没入できない感じが否めない。その点から言うと、おそらく監督も熱烈なハルキストであり、「私の解釈はこうだけどなんか文句ある？」みたいな自分を突き通したエゴの強さに星2.5です。

松山ケンイチ目当てで観た、思春期の葛藤みたいなのを描きたいのか。見返したい映画ではない。