見はらし世代

印象には残るものの、似た感じの押し出しが強い役が多かった黒崎煌代が、この映画ではいくばくかの鬱屈を抱えた現代の若者を演じていて、わざわざ主張はしないが文句はある！みたいな低温のマグマみたいな佇まいがとても良い。心情を説明するようなセリフが全然なく、この役にも役者にもそんなものは必要ないのだという気がしてくる。

その主人公が仕事で運んでいる胡蝶蘭は、花の持つ美しさや生物的な価値は一旦脇に置かれ、ただ社会における儀礼の品として取引され、右に左に運ばれていく。そのバカバカしさはある種の現代建築が持っている空虚さともシンクロしていて、ランドスケープデザイナーというカタカナ職業の父親や彼が関わっている再開発をチクリと皮肉っているようでもある。社長室にいくために屋外の階段に出ないといけない建築事務所のビルを見せるのも自分にはイジってるとしか思えないが、真意は明かさないというかある種の韜晦趣味に見えるのは好みが分かれるところではないか。

そこに介在していないはずの視点を持ち込んだ画作りはときに刺激的だが、才気ばしりすぎていてノイズに感じられることもある。その辺は意図を汲み取れているとは到底言えないので評価しづらいが、あえてハッキリさせずに、言いたいことを言い切らない演出がもどかしくもある。とはいえ若い才能のセンスに同調できないのは年寄りとして当然なので、今はいささか距離を取りながらこれからどうなっていくのか監督の今後に注目したい。いつかこの映画のこともああそういうことだったかともっとわかった気がする日が来るのかもしれない。

渋谷をこういう静かな街として撮る人は珍しいかもしれない。本作は渋谷のMIYASHITA PARKの建設に関わった父親と、その息子の確執をめぐる物語が縦軸に、都市の変容の中で生きる人々を映し出すということを横軸に展開していく。
都市と人の関係が、登場人物と背景という感じじゃなくて、登場人物もまた都市の一部として描かれているような雰囲気があっていい。これは東京に行ったことある人なら感じたことあるのではないかという気がする。あまりにもたくさん人がいて、人がみな風景に見える的な感覚。この感覚が全編にみなぎっている。
そういう感覚を作るために、ロングショットとミドルショットが多用される。一目ではどれが主要登場人物かわからないように撮ってるようなショットもあって、人が街に溶け込んでいる感覚。そこから、人間が人間じゃなくなるような瞬間が感じられる時があって、だから、非人間的な幽霊要素が入り込んでも違和感がない。都市空間と霊性は意外と相性がいいということを喝破したのは見事だと思う。

人の心、あるいは誰かと誰かが関わり合う様は、時に一つの建築物のようだ。家族が休日を過ごそうとする海辺の家に始まり、渋谷の複合商業施設、はたまたホームレスを追い出して着手されゆく無慈悲な建設に至るまで、本作ではあらゆる建築が有機的に絡まり、物語を奏でる。そういった構造をあくまで透明感に溢れた自然な語り口の中で実践しているのが本作の秀逸なところ。こんなタイプの映画と出会ったのは初めてかもしれず、まさに現代の社会、空気、感覚から産声をあげた作品と言える。メインの家族を、決して互いに相入れない独立した部屋が並ぶかのように拮抗させ、対峙させる未来。とりわけ少年が青年へと成長し、演じる黒崎がひとこと言葉を発する時の、あのなんとも他者を寄せ付けず、と同時に、何かを求めているようでもある掠れた低音の声のトーンに心底痺れた。そして遠藤憲一の画竜点睛と言うべき存在感が、この異色作にある種の格をもたらしている。