「現実を諦めた者たちの純愛賛歌」ストロベリームーン　余命半年の恋　こひくきさんの映画レビュー（感想・評価）

2025年にもなって､白いワンピースに麦わら帽子をかぶった病弱な美少女がスクリーンを駆けるとは思わなかった｡『ストロベリームーン 余命半年の恋』は､あらゆる意味で時代錯誤な作品であり､そしてそれゆえに奇跡的に成立している｡

本作は｢リアリティなんてクソ喰らえ｣という態度を隠そうともしない｡限界まで磨かれた嘘､整えられた痛み､作り物の純愛｡それらを堂々と提示しながら､観客の涙腺だけを正確に撃ち抜いてくる｡もはや“リアルな青春”など描く気は最初からない｡これは､映画という虚構の形式そのものに対する､純粋で頑固な信仰告白なのだ｡

主人公･萌は余命半年を宣告された少女｡にもかかわらず､彼女には病の匂いがまるでない｡血色がよく､声に張りがあり､全身が“健康的な死者”として演出されている｡その違和感を｢演出の失敗｣と捉えるのは浅い｡むしろ萌の病気は､肉体の病ではなく時間の病だ｡“限られた時間”を意識することそのものが物語の主題であり､病は単なるメタファーに過ぎない｡つまりこれは“死をどう生きるか”ではなく､“死を前提に生を選ぶ”物語｡

現実的な描写を徹底的に排除することで､監督は｢死のリアリズム｣ではなく｢死の記号化｣に挑んでいる｡この潔さが､かえって神話的な純度を映画にもたらした｡

だが､その“純度”が保たれるのは､登場人物が全員聖人であるからだ｡本作には悪人がいない｡萌を苛める同級生も､すれ違う友人も､無理解な教師も登場しない｡誰もが優しく､全員が正しく､世界は慈悲によって滑らかに回っている｡この“悪意の不在”は､作品を奇妙な静けさに包みこむ｡葛藤も衝突もない｡そこにあるのは｢理解｣と｢受容｣だけだ｡つまりこの映画の“痛み”は､現実的な苦悩ではなく､｢すべてが優しすぎること｣の不気味さなのだ｡観客は､こんなに清潔な世界を見せられると逆に息苦しくなる｡それでも泣いてしまうのは､人が｢本当はこうありたい｣と願う姿がここにあるからだ｡本作の優しさは欺瞞ではなく､現実に対する祈りの代替物なのだ｡

この完全な非現実のなかで､唯一“地上の重力”を持つのが両親役の田中麗奈とユースケ･サンタマリア｡ふたりの演技は圧倒的に現実的で､観る者を一瞬で現場に引き戻す｡特に､ユースケが娘のために墓地の抽選に当選する場面は､滑稽さと悲しみが同時に存在する傑作シーンだ｡娘の死を前提に｢居場所を確保できた｣喜びを噛みしめる父の姿｡そこには“生きる者の現実”が確かにあった｡この“重さ”と､萌と日向の“夢の軽さ”が同じ映画の中で並列されていることが､作品を不安定なジェットコースターにしている｡観客は現実と虚構のあいだを強制的に往復させられ､泣いた直後に冷め､また泣く｡その振り幅の激しさが､この映画の中毒性でもある｡

そして､何より象徴的なのは､萌の“痛いほど幼い”ノートや手紙だ｡高校生にしてはあまりに稚拙で､まるで中学生の日記のような文体｡だが監督は明らかにその“幼さ”を理解したうえで､そのまま撮っている｡まるでタバコをくわえながら､｢いーんだよ､こういう感じで｣と言っていたかのようだ｡リアリティよりも“心の純度”を優先する確信犯的な演出｡それは､恥ずかしさすら美学に変える勇気の証拠だ｡｢痛くても､嘘でも､これが人を泣かせるんだ｣と信じきる現場の潔さ｡その古風な職人気質こそ､この映画最大のチャームである｡

要するに『ストロベリームーン』は､“リアルな恋愛映画”ではなく､“リアルを諦めた恋愛映画”だ｡現実の再現ではなく､現実の願望を描く｡その意味で､本作は社会や時代への反抗ではなく､現実の敗北宣言に近い｡だが､人は敗北のなかでしか夢を見られない｡だからこの映画は､笑われても､泣かれても､確かに｢映画｣なのだ｡

病気でも､健康でも､彼女はただ“恋を信じる少女”として死ぬ｡
そして我々は､それを見て､もう一度“信じること”の力を思い出す｡

2025年､ここまで徹底して現実を拒否した映画が作られたこと自体が､奇跡のようだ｡この作品は時代遅れではなく､時代の裏側に残された“最後の純粋さ”の記録である｡
｢いーんだよ｡こんな感じで｡｣
その言葉にすべてが詰まっている｡