国宝のレビュー・感想・評価

全く歌舞伎に興味はなかったけど凄かったです。ロングランになる理由が見てわかりました。
ぜひ映画館で見て欲しい

李相日×吉田修一が苦手でスルーしていたものの、今回プロ脚本家が参加した意味を信じて劇場へ。
その甲斐はあってか、渇いてユーモアのある関西弁のセリフは良かったと思うけど、肝心な部分が裏になっていたり、ドラマがよくわからない。
直近に観た「アマデウス」（リバイバル）もそれなりに上演パートがあったけど、だからって描写の過不足はなかったけどなー。

３時間あったらジャンル映画が２本観られるだろうし、少なくともその間はハラハラドキドキ、強制的に心を揺さぶってもらえたはず。そう思ってしまうせこい人間は、この映画に向いてないんでしょうねぇ。。
しかし観てる間じゅう登場人物に対してむごい、かわいそう、と思わされる瞬間がほとんどなかった。「覇王別姫」を狙ったんだとすれば、端的に追い込みが足りなくない？
あと主演は吉沢亮だと思うけど、横浜流星の方がおいしい役じゃないかこれ。

吉沢亮がなんやかんやあって久しぶりに舞台に立つところ、明確な契機となる場面はなくふわーと出てくる。それが「粋」だというなら逆に、瀧内公美の最後のセリフは野暮すぎる。こちとら「悪魔」のキーワードが出た時点で察するっつうの。
田中泯の言う「きれいな顔」云々の場面も印象的だが特に回収される気配もなく。血筋と芸っていうテーマにも関係ないし、ぜんぜん女形であることの足を引っ張らない。むしろ舞台でアップばっか映るからきれいでよかったねとしか言いようがない。悪魔に気に入られるわよおめでとうの意味？

「アデル・ブルー」の撮影監督による画面作りは、舞台パートなのに顔のアップが多かったりして、よくわからない。少なくとも役者が登場する場面では舞台中継のように全体を見せてほしかった。
私が日本の伝統芸能に期待する重心移動や身のこなしのキレみたいなものはあまり堪能できなかった。
時折、メインキャストの周辺でちらっと映るおそらく本職だろう人々の立ち姿にはハッとさせられた。

途中でまじで「落語心中」かな…？と感じ始めてからの「曽根崎心中」。あれ、この作者ってもしや腐女子…？となり、終盤になってやっと、この企画の意図を理解した。ははーん、太陽がいっぱいなのね。

「落語心中」と気づいてからは、歳とって円熟期を迎えた彼の去就にがぜん注目していたけど、「落語心中」ほどの境地には至らず拍子抜け。
正直、冒頭の新年会で渡辺謙を観た時からイヤな予感はしてたけど直感は正しかったんだぜ…うれしくないぜ。
なお落語心中は山寺宏一の落語も聴けるTVアニメ版がオススメです。

原作読んで、２回映画館でみた。映画は見るたびに時間が重なるごとに捉え方が変わってよかった

◾️TES満点、PCS好みによるって感じ

技術、細かい演出が凄い〜！！ぎょぇ〜！！
見たの7月だから覚えてる範囲を書き出し。

【カチコミ】
結構変わった建物なのに誰が何処にいるかわかるの凄いし、
内側と庭側で空間を行き来したり使い分けるの良すぎ。
庭も良すぎ。樹形良い。

【流星最初の歌舞伎が連獅子】
もうコレだけでストーリーの5割の説明出来てるやん

【橋のロケハンした人にアカデミー賞】
何カットか出てきた赤い橋。
もうすでに擦られまくった話題かもだけれど、
2人が仲良い時は普通の橋なのに、亮が曽根崎心中やるってなったら、
上からのカットで、ウニャウニャキモい橋の影ができている。
え？マジ凄すぎない？
ここの流星の演技が、悔しいけれど仲良くしようぜみたいなノリなのに、絵は明らかに2人の間に言葉通りのカゲを落としていってる。ヤバ。
ロケハンした人は
「ここの橋！この時間になるとキモい影が出るんす！ここで撮影しましょう！！」とか言ったのかな？
たまたまなのかな？ヤベ。

【舞台の緊張感リアルぅ〜】
劇中劇が始まってしばらく、
すっぽん(？)から競り上がって観客の顔がガッツリ見えたり、
衣擦れの音が妙に耳についたり、
聴こえるか怪しい低音がずっと鳴ってたり、
なのに、中盤になってくるとあったまってきてホイホイ進んでいくのとか、
人生で数回しかない、ステージに立った時の記憶をリアルに思い起こした。

【客席エキストラ】
2回目の藤娘。だったかな！？？
客席が俯瞰で全体映るカットがあるんだけれど、左下あたりにおそらく、2人の経緯をよく理解した上で観劇にきて、尊さで爆死してる歌舞伎オタクという設定かと思われるエキストラがいる。
両手で顔を覆い。やや上を向いている。
知ってるこの仕草。オタク仕草だ。

あれ。意外と覚えてなかったわ

◾️ちょっと…な。部分。
・演出意図をわかりやすくするためか似たシーン、カット多し。
桜、雪のシーンもここで必要なのわかる！って感じだし、傷んだ足もよく見せたいよな…！って感じなのはよくわかるんだけれど、2回で十分かな…。
そんなのが他にも結構あった気がする(気がするだけかも)
その分ちょっと時間縮めてくれ。
腰イタイ…トイレ行きたい…

・顔のアップ多すぎ。
2人の顔がいいのはわかった。もっとヒキの絵を見せてくれ。

全体的にくど目の印象。
しかし、だからこそ楽しさに気づけたところもある。

世間では圧倒的な人気で、我が田舎でも上映が終わることなく続いている。
多分自分はハマらないなと思って観るつもりはなかったが、ここまで人気ならばと12月に入ってからとうとう鑑賞してしまった。
やはりハマらなかった。

観終わった後の感じも想像通り。
吉沢亮と横浜流星が頑張ったなと思って終わってしまった。

観る前にネット情報で、
吉沢亮が北島マヤ
横浜流星が姫川亜弓
渡辺謙が月影先生
というのを見たが、うん、その通りであった。
なので、ストーリー的にはよくある話なのだという事。

結構時間が経ったと思って時計を見ると1時間しか経っていなくて、「ここから2時間か。。。」とげんなり。
そしてやっと2時間経ち「まだ1時間もある。。。」、
そしてエンディングで「やっと終わった。。。」と、1時間毎に途方に暮れてしまった。
3時間もあるのに何を1番に描きたかったのか分からず、ストーリーに面白みがない。

主人公2人の頑張りに評価は3にするが、好きな人には申し訳ないが、なぜここまで人気があるのか分からなかった。

ついに観ましたよ、『国宝』。
今更かよって話ですが(笑)。

どうしても公開が終了する前に『ゾンビランドサガ　ゆめぎんがパラダイス』が観たかったのだが、バルト９では終映が24時半で家に帰れない。でタイムスケジュールを見ると、そのあと朝１時から４時まで『国宝』をやっているではないか。
ちょうど翌日、朝から滋賀に仏像の展覧会を日帰りで観に行くつもりだったので、ここはオールナイトとしゃれこもうと決めた次第。

もともとは、吉田修一にも李相日にもまったく関心がなく、ジャンル的にも今更、五社英雄か降旗康男みたいな一代記見せられてもなあ、といった感じがあったし、さらには歌舞伎にもあまり関心がなくて、生まれてこの方まだ観に行ったことが一度もない（文楽もゼロ。能と狂言は大学のゼミで２回ずつ観に行かされたけどそれっきり）。
なので、このまま観ないで終わるのかな、と思っていたが、上記の理由で朝まで徹夜で付き合うことになり、結果ほんとうに観てよかったと思った。

結論からいえば、すごく良い映画だった。
ただここまでヒットしてる理由は
しょうじきよくわからない（笑）。

たぶんね、一番大きいのはやっぱり俳優２人（＋２人）の頑張りだと思う。
少年時代と大人になってからの喜久雄と俊介の芸と精進に真実味があったからこそ、客はふたりの人生にのめり込んだし、共感できた。それはたしかだ。
まあ、そこはきっと皆さんに語り尽くされてるだろうから、あまり触れません。

あとは、映画com.のオーサー陣はあまり言及してないけど（一般の方のコメントは多すぎてとても読む気になれずｗ）、やっぱりこの映画は「撮影監督」がよかったんだと思う。
パンフを買い損ねたので、詳しいことはわからないけど。
ソフィアン・エル・ファニ。チュニジア人。パリを中心に働くカメラマン。
日本の古典芸能を見つめる海外の人の視線は、やはり「何かが」違う。
伝統的なモチーフに対して、外国人であるからこその「気づき」がどこかにあるからだ。
未知なる新奇さに対する好奇心や、日本人には気づけない違和感が、このフィルムの全体には間違いなく刻印されている。
それは『キル・ビル』や『ブラック・レイン』ほどにぶっ飛んではいない「日本人によって矯正」された抑えた視点ではあるが、海外の人間が感じる違和は、いくら矯正されても「どこからともなくにじみ出てくる」ものだ。

逆に海外技術者の起用は、従来の日本的文脈から離れて世界仕様で「普遍化」させる要素もあるかと思う。もしかしたら、歌舞伎の所作や視線の交錯のなかに、ハムレット演劇や欧米のメロドラマの要素（ダグラス・サークとか）を見出し、それを重ねて撮っている可能性だってあるわけで。

そもそも、本作には「異化効果」をもたらす３つの視点がある。
まずは「もとは歌舞伎を知らなかった現代の日本人」としての吉田修一の視点。
それから「内側のエトランゼ」としてずっと生きてきた在日三世・李相日の視点。
彼に雇われ、外様として参加したソフィアン・エル・ファニの「完全な外国人」の視点。

さわる人が変われば、作品の出来上がりは必ず変化する。
三つのフィルターを通して咀嚼された「歌舞伎」もまた、本来の姿からは抗いがたく変容し、ズレてゆく。だが今回の場合、それは「意図された」揺らしだ。
あえて李相日が監督を務め、さらにあえてソフィアンに撮影を任せることで、日本の歌舞伎を解体のうえ再構築する。それこそが本作の目的ではなかったか。

さらに、海外のカメラマンを撮影監督に採用する利点として、撮り方自体の細部に日本の一般的な映画とは違った「ニュアンス」が加えられる効果がある。
たとえば、同じ言語で語るにしても、日本人が日本語を話すのと、チュニジア人が日本語を話すのでは、どんなに流暢でも間違いなくイントネーションに違いが生じてくるのと一緒で、「撮り方」にも微妙なズレが生じてくるからだ。

実際、『国宝』には従来の邦画とは違った「匂い」が漂っている。
日本を舞台に、伝統芸能をモチーフに撮っているのに、どこか「洋画」の匂いがする。
この画格の差異は、間違いなくソフィアン・エル・ファニが持ち込んだ要素だ。

そして、監督＆撮影監督の脳内に、本作の祖型としてチェン・カイコーの『さらば、わが愛　覇王別姫』という「中国映画」があったというのも、本作がまとう「邦画らしくない匂い」の淵源に間違いなくなっているはずだ。

本当に、きっちりとどのシーンもアングル決めて撮っていて感心する。
結構ガチャガチャするようなシーンでも、固定カメラでバランスよく撮っているし、演目を撮る際は、引きとアップをうまく交互に取り混ぜて、だんだんと緊張感が増していくようにはかっている。
で、ここぞってところでだけ、回り込んでいくような感じでハンディが導入される。
背後から覗き込みながら、横顔をとらえて、さらには円弧を描きながら目線をとらえる、流麗な手持ちのカメラワーク。
画質は常にしっとりと落ち着いて、肌理が細かい。
どのシーンにも独特の空気感があって、濃密な気配がある。

個人的に監督の「演出」自体には、ときどきちょっとサムいものも感じるんだよね。
たとえば、雪のカチコミシーンとか。
昔の任侠映画以上に派手な外連味があって、マジで『キル・ビル』みたいなキッチュさを感じないでもない。あと少しで「ダサく」なる一歩手前の「観客におもねった演出」だ。
他にも、笑顔で別れてこちらのカメラに向かってきたら真顔とか、早回しにしか見えない歌舞伎小屋での観客の拍手とか、個人的には「陳腐」に思える演出も実はぽろぽろあったりする。
だが、そういった「やりすぎ」ぎりぎりの演出を、「カメラマンの力量」で抑制、もしくは無毒化することに、本作は成功しているように思う。
多少の品のない演出も、リアリティもしくは詩情をたたえて「うまく仕上げる」能力がソフィアン・エル・ファニにはある。こうして、３時間の長丁場にわたって「飽きさせない」密度の高い画面が紡がれることになった。
『国宝』において、歌舞伎を「ずらし」、邦画としての空気を「ずらし」、監督のコンテを「ずらし」て、世界レベルの絵作りに引き上げてくれたソフィアン・エル・ファニの力を、我々は決して過小評価してはならない。

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本作の語り口（ナラティブ）に関して言えば、とにかく余分な要素を概ね捨象して、「二人の歌舞伎役者の人生」だけにあえてフォーカスして組み立てたのが、最大の勝因だと思う。

骨太っていうのかな。
潔いくらいに、喜久雄と俊介の話しかしていない（笑）。
長い原作を刈り込むときに、どうしても総花的な脚本になってしまうことも多いところを、本作の監督と脚本家は、徹底して二人の友情と衝突、精進と達成、挫折と再起に焦点を絞って、それだけをみっちり語り続ける。
「一代記」を、本筋から目をそらさずに、一定の距離をとりながら見つめ続ける。

なにかに近いなと思ったら、「講談」の語り口に近いんだよね。
多少の情緒をこめながらも、主語をぶれさせないこと、真正面から何が起きたか語ること、状況をわかりやすく整理したうえで、ズバッと本質を語り尽くすこと。演目タイトルが字幕で入るのも含めて、そういう「講談」のようなナラティブを、巧みに映画で取り入れている。定型的な（一定の距離をとった）歴史の叙述になっているけど、ちゃんとシーン毎には個人にズームして感情を載せてくるスタイルというか。

基本的にバディ・ムービーが嫌いな男も女もいない。
男は男同士の友情と闘いの物語が大好きだし、
女性も若干別の角度から同じネタが大好物だ。
本作は、徹頭徹尾、純度100％のバディものとして練り上げられている。
ふたりは友情を感じ、家族の絆を感じ、相手への憧れを感じ、相手への嫉妬を感じる。
だが、自分から相手を陥れたり、裏切ったりすることは、作中では一回もしない。
常に歌舞伎の頭領としての父親の判断や、社会情勢の変化で翻弄されてはいるが、喜久雄と俊介は最後まで、相手のことを想い、相手に一定の敬意をもって接する関係性を辞めない。
それどころか、この映画に出てくる登場人物で「悪意をもってなにかする」（嫉妬にくるって相手を陥れる、自分が勝つために相手を貶めるetc.）人物はひとりもいない。
誰もが一生懸命、目的達成や人間関係の維持のために頑張ってはいるのだが、どうしても如何ともしがたい綻びが生じて、成功と失墜、出逢いと別れを繰り返していく。
この「悪意の不在」が、かつての似たようなフォーマットをとっていた五社英雄や降旗康男のような昭和一代記風作品と「令和的に」一線を画するところではないだろうか。

いまの観客には、悪意をストレスに感じる人が多い気がしている。
主要キャラの変心や奸計は、それがメインテーマになっているイヤミスやドロドロ系の話ならむしろ歓迎されるが、そうでない場合はダウナーな要素として「低評価」につながる場合が多い。
その点、『国宝』は人間のむき出しの悪意を描かない。
たとえば、息子を優先したい奥さんの寺島しのぶは正直にえげつないことを言ってはいるが、ちゃんと部屋子として喜久雄を育て、「跡取り」以外の部分では平等に扱っているし、彼女の主張自体、別段おかしなことは何も言っていない。要するにストレートではあるが、悪気はない。他の登場人物もみなそうだ。
これって、３時間をストレスに感じさせない大きな要因のひとつではないだろうか。

さらにいうと、この映画ってほとんど思想性がないんだよね。
『国宝』ってタイトルで、日本を代表する古典芸能である歌舞伎の世界が題材で、国に選ばれて「人間国宝」としての栄誉を授かるまでを描いた国策映画みたいな内容の映画で、それを「在日韓国人三世」の監督が撮っているのに、なぜか右や左にぶれる様子も、何かに批判的な様子も、殊更に主張したい様子もなく、ただひたすら喜久雄と俊介の話を真摯に、愚直に語り続けている。
この姿勢って、僕はものすごく信用がおけると思うのだ。

極左映画のド本命である若松孝二くらいになると、あれはあれで芸の一環みたいな部分があるが、僕は個人的にあまり監督のメッセージ性の強い映画を好まない。
そんななか、「歌舞伎」を「李相日」が「国宝」のタイトルで扱うって、果たしてどんな内容になるのだろう？というのは、けっこう下世話な関心として思うところがあった。
ところが蓋を開けて見れば、ほんとうにびっくりするくらい、思想の偏りが感じられない、ひたすら「人」に寄り添った没入型の「ただのドラマ」に仕上がっていた。
歌舞伎の（ごくふつうの現代日本人が「え？」と思うような）旧弊なしきたり（殴る蹴るを伴うスパルタ式稽古、お茶屋遊び、妾、血を重んじた家督継承）ですら、とりたてて断罪されることなく、「ごくふつうにあること」として提示される。
李監督は、この映画のなかで誰も裁かない。何も断罪しない。

さらにいうと、われわれが「女形」の世界に対して漠然と持っているジェンダー的な（あるいは性嗜好的な）先入観にすら、『国宝』は与しようとしない。
喜久雄も、俊介も、本当にものすごく普通のヘテロとして描かれ、それ以外の要素はほのめかしすらない。二人の友情は熱く粘っこいものだが、性的な臭気はほぼ皆無だ。万菊さんはたしかに「あのばあさん、いやじいさんか」といわれるくらいのモノホンだが、フルスロットルで振り切れていて、逆に誰もそういう関心は抱きづらい。美輪明宏先生のようなものだ。

『国宝』には、歌舞伎に対する批判がない。
悪弊や陰の部分に対するあてこすりやほのめかしもしない。
僕は、歌舞伎を題材に映画をつくるときに、そういう偏りもなければ冷やかしもない、ただまっすぐにあるものを見つめるだけの映画を撮るのは、実はとても難しいのではないかと思う。
題材の良さと、登場人物の良さと、演者の良さに加えて、それを奇跡的に成し遂げたことで、『国宝』は広範な大衆の支持をとりつける「裾野の広さ」「可能性」を獲得したのではないか。
そう思えてならないのだ。

私は歌舞伎に関して無知だったが、演者の圧倒的なまでの再現度とドラマの演技、上質(であろう)原作と脚本、緻密なVFXが素晴らしかった。
一方アングルや編集、劇伴などディレクションに関わる部分のクオリティが壊滅的。
その他のほぼ全ての素晴らしい部分が打ち消されてしまっている。
せっかくスコープサイズで映される演技の様子、楽器演奏や歌の様子に圧巻され、感動するも、その瞬間にそれに及ばないスタイルのBGMとダイジェスト編集で涙をキャンセルしてくるのは、歌舞伎へのリスペクトまたは憎しみが欠けているか、あまりにも恐れているためなのだろう。
ドラマも含め、題材も役者もスタッフも観客も信頼していない正に”逃げ”の映画だった。
画コンテも甘く、アドリブも制御できず、望遠のアップが演者に追い付かずとさんざん。
同録(っぽい)音声や(歌舞伎の)音楽もクオリティが高かったのに、残念としか言えない。
「アングルと編集がよければ それなりに面白くもなるよ」
と私の好きな監督は言っていたが、今作はその逆で、ただそこだけ、根幹の要素のせいで傑作のポテンシャルが希釈されてしまった。上映枠の問題もあろうが、もう少し長ければよかったのかもしれない。

夫がたまには映画が観たいと言うので、それならこんなに話題になっているのだから観ておこうかと、今頃観に行って来た。
…最初から涙でした。15で目の前で親を殺され、復讐を企てるも成就せず、身寄りも失くし、一度会ったことがあるだけの歌舞伎役者の元に身を寄せる…
自分で選んだ訳じゃない、ヤクザの家に生まれたことも、その抗争に巻き込まれて親を失くしたことも。
「覚悟が違う」
もう帰る家もない、血の繋がりもなく、それ故手を差し伸べてくれる人もない、そこで生きていくしかない。
血筋に胡座をかいてるボンボンとは
「覚悟が違う」

私自身、15で養子に出た。もう生家には帰れない、慣れない場所で、ここで生きるしかないんだと、覚悟ともその時は思わなかったけれど、のほほんと生きている周りの人間とは訳が違った。後に、その時精神的に自立してしまったんだね、と言われたが、なるほど、そう言われればそうだったかと。

そんな風に、たぶん人とは違う観点かもしれないが、最初からあの世界に引き摺り込まれてしまった。
歌舞伎の知識もほとんどないので、良し悪しは分からないが、充分に人の心を掴んで揺さぶるパワーがあったと。原作未読ですが、予備知識はなくとも十二分にあの世界を楽しむことができ、理解できない夫との間に溝が…笑
最初のシーンから覇王別姫のあの二人を思い出したんですが、やはり監督がそれを観た衝撃が本作に繋がったそうで。改めて名作なのだなぁ…と。

細かいこと色々言われてる方もおられますが、梨園の悪い？風習等全て、それ現実なんでしょ？それをそのまま描いていていいんじゃないかと。著者は物凄い取材を重ねて小説書いたそうなので。
どんなことにも光があれば必ず影がある。歌舞伎なんて特殊な世界です。だからこそ残って来た芸能かもしれない。
そして私は、何の才能も持ち合わせていなく、鍛錬も修行もしておりませんが、最後に喜久雄が辿り着いたずっと探していたあの景色、分かるような気がしますよ…

世間で注目が集められている人気につられ、観たが全く刺さらなかった。

まず歌舞伎のシーン、修行中ダメな点を指摘される厳しい稽古のシーンがあるがこれが何がダメなのか全くわからない。どれも同じに見えてしまう。

そして人間国宝が歌舞伎をしているのを観て感動するシーンも確かに綺麗だと思うが感動まではいかない。

ヒューマンドラマの部分はかなり良く、演技が上手いがヤクザの息子として見られてしまう主人公と歌舞伎役者の息子だが演技が主人公よりも劣っていて常に比べられてしまう劣等感に悩むライバルがお互いに羨ましいと思い合っている2人の関係が面白かった。

手短に

歌舞伎に対し異様な執着を持つ喜久雄
歌舞伎名門一家の血筋を引く俊介

俊介は絵に書いたような御曹司
喜久雄は夢への渇望に素直

このイメージが終盤でひっくり返る

相対する関係性が人生観を大きく変える
栄光と失墜
哀しくも力ある者のそばに居たものはその魅力に
充てられ、破滅へと足並み揃えて向かってしまうもの
理屈ではない人間としての本能むき出しな作品であった